Отзывы о Музей современного искусства им. Дягилева

Татьяна Семёновна Юрьева . Эндрю Уайет. 1986 г. Книга посвящена одному из крупнейших художников США Эндрю Уайету. Уникальность его дарования своеобразно воплощает главную и вечную тему искусства - жизнь человека. Уайет посвятил свое творчество развитию гуманистических традиций в искусстве. Его творчество отличается внутренней цельностью, философской направленностью, неповторимым своеобразием видения. Э.Уайет избран почетным членом Академии художеств СССР. Книга предназначена для специалистов и широких кругов читателей, интересующихся искусством.

С 30.12.2020 по 10.01.2021 доступ в Музей для посетителей будет временно прекращен в связи с постановление Правительства Санкт-Петербурга «О внесении изменений в постановление Правительства Санкт Петербурга от 13.03.2020 № 121 “О мерах по противодействию распространению в Санкт Петербурге новой коронавирусной инфекции (COVID-19)”» № 1027 от 02.12.2020.

Анна Виленских, студентка 2-го курса СПбГУ, факультета журналистики. Статья написана в рамках прохождения учебно-ознакомительной практики. __________________________________________________________________ Музей современных искусств им. С.П. Дягилева продолжает свою работу. Недавно в музее прошло открытие выставки в рамках фестиваля «Паралеллошар», посвящённое творчеству С.В.Ковальского. Выставку можно посетить до 20 января. Несмотря на сложное положение в связи с пандемией для музеев и других организаций, музей Дягилева продолжает развиваться, организовывает различные выставки онлайн и оффлайн формата. Если прямо сейчас нет возможности сходить в музей лично, то на сайте можно найти несколько онлайн выставок. Например, Виртуальная 3D выставка-игра "Уединение 2.0". Вы окажетесь в квартире-убежище, которая в то же время является своеобразным квестом. Организацией данной выставки музей отвечает происходящей трагедии 20-го года – пандемии. В экспозиции представлены фото-произведения художников разных поколений, в основном петербуржцев, которые запечатлели период первой волны Сovid-19. Также на сайте музея можно найти коллекцию экспонатов. Музей выставляет всю свою коллекцию для просмотра посетителей один раз в год, однако она всегда доступна для онлайн просмотра. Плакаты, уникальные полотна живописи, скульптура и, конечно, графика, которая составляет большую часть коллекции музея. Большинство произведений – работы петербуржских художников 20 века. Музей открывает свои выставки «неофициального» искусства, начиная с 1990 года. Центр искусств имени Дягилева был создан по идее профессора, доктора искусствоведения Т.С. Юрьевой. С тех пор музей регулярно как создаёт крупные городские и международные проекты, так и принимает в них участие. Все происходит в масштабах города. Свое существование музей начал в 2008 году на базе Дягилевского центра искусств. В нем хранится около 300 различных произведений: скульптуры, живопись, фотографии, работы прикладного искусства. Основой большой коллекции являются произведений ленинградского искусства 1960-1980 годов. Также обязательно стоит сказать, что Дягилевский музей искусств пользуется популярностью не только у соотечественников, но и за рубежом. Выставки современного искусства в Гамбурге, Париже, Нью-Йорке регулярно сопровождались увлекательными и захватывающими лекциями о важности нашего искусства, которые читала Татьяна Юрьева. Также на них были представлены работы таких известных мастеров, как: Василев, Орлов, Яхнин, Аршакуни, Мишин и других известных творцов современного искусства. В течение 5 лет музей вел свою деятельность в Мраморном дворце. Однако после здание дворца передали Русскому музею искусств. Начиная с 1990 по 1995 года, центром Дягилева было впервые представлено искусство «русского зарубежья» следующих авторов: М. Шемякин, А. Басин, Э. Неизвестный и К. Симун. Также именно по идее центра была организована мемориальная доска, посвященная125-летию со дня рождения известного деятеля русской культуры С.П. Дягилева. Через 90 лет в Таврическом дворце в память Дягилеве открылась выставка «Портреты деятелей русской культуры», которая включала в себя произведения всех крупных музеев города. Трудно найти издание, посвященное известным мастерам петербургского современного искусства, в котором не упоминается о Дягилевском музее современных искусств.

Анна Виленских, студентка 2-го курса СПбГУ, факультета журналистики. Статья написана в рамках прохождения учебно-ознакомительной практики. _____________________________________________________________________________ О Ковальском и его творческом пути. Недавно в музее современных искусств им. С.П. Дягилева прошло открытие выставки в рамках фестиваля «Параллелошар 2020-2021», посвященная творчеству Сергея Викторовича Ковальского. Творчество С.В. Ковальского крайне разнообразно, мы можем увидеть и живопись, и коллаж, и фотографию, и поэзию, и перформанс. Важная часть его творчества посвящена «Метаэлементализму», «Социальному фолк-арту» и «Параллелошару». «Метаэлементализм» направлен на трансформацию звука в цвет по технологии контколлажа. Работы в направлении «Социального фолк-арта» как раз представлены на выставке. А направление, в честь которого назван сам фестиваль - «Параллелошар», являлось главной идеей творчества художника. Именно она являлась основой и объединяющим фактором всего его творчества. На формирование взглядов художника, как сам он говорил, кроме музыки, теории искусства, философии, повлияла работа топографом. Примерно десять лет Ковальский посвятил экспедициям, где ходил по лесам и полям, следовал заданному маршруту и на основе полученных данных наносил карту местности. Близость с природой, которая дарила ему ощущение свободы, отсутствие бесконечной городской суеты и информационной напряженности, научила его чувствовать себя часть чего-то большего, частью самой природы. Сам Ковальский позиционировал себя как художника, поэта и путешественника. Одновременно с этим он являлся важной фигурой всего нонконформистского движения семидесятых-восьмидесятых годов: президент и один из основателей Товарищества «Свободная Культура», Арт-центра «Пушкинская-10» и Музея Нонконформистского Искусства, и организатор более чем сотни как российских, так и зарубежных выставок. О последних стоит сказать отдельно. В России он побывал и в Пскове, и во Владивостоке, и в Санкт-Петербурге, и в Москве. За рубежом бывал в США, Италии, Венгрии, Польше. Несмотря на различные запреты советов, на железный занавес он совместно с Барбарой Хазард организовал первое, дебютное турне ленинградских неофициальных художников по музеям и галереям Америки. Это был настоящий прорыв. Советский период был наполнен так называемыми «квартирниками» - домашними выставками, также, конечно, использовались другие площадки. Самой знаменитой и значимой является выставка «На Бронницкой», которая проходила в начале восьмидесятых в тогда ещё Ленинграде. После распада советского союза художник продолжал заниматься созданием различных художественных событий, например, II Международный Фестиваль Независимого Искусства «Уровень Моря», посвященный 20-летию арт-центра «Пушкинская-10». Также Сергей Викторович является автором ряда книг о неофициальной культуре Ленинграда, которые точно летопись всего нонконформистского движения. Но, конечно, самой ценной информацией являются уникальные исторические данные того времени. Для Сергея Ковальского стоял острый вопрос: подчиниться системе организации, которая была продиктована советами или же самостоятельно создавать и обустраивать весь творческий быт. Он выбрал второй путь, поэтому прикладывал много усилий для организации выставок и всевозможных творческих мероприятий, где отражалась его уникальная, четко выраженная жизненная позиция. Можно сказать, что художник не может заниматься подобными вопросами, однако именно она позволяла творчеству Ковальского и других художников реализовываться. Ведь творцу невозможно было согласиться с продиктованными условиями, его понимание искусства как такового не совпадали с принятой идеологией. И вот путь художника, который начинался с квартирных выставок, а превратился в арт-центр «Пушкинская 10». Этот центр, да и сам художник, помогал в творческой реализации многих своих коллег. Главным символом творчества Ковальского является «Параллелошар», который соответствует духу эпохи, показывает потенциал времени, говорит о возможности освоения человеком новых миров, параллельных пространств и измерений. Сам автор обозначает «Параллелошар» как «понятие замкнутого виртуального пространства, перемещающегося в одиннадцати цветах Трансрадуги Мира и параллельного многим иным». Сам «Параллелошар», предполагался автором, как система переломных произведений. Мы же можем рассмотреть это со стороны видения художника, где целостность развития искусства отражает целостность мира и эволюцию законов устройства этого мира. Для нас художник, выступающий как философ, в поиске универсалий в пространстве, выглядит впечатляюще и очень к месту. Высокая скорость тиражирования и воспроизведения реальности с помощью новый техники, различных технологий повлияла на восприятие искусства и на его представление миру. Художники начали давать модели для того, чтобы их творчество было понято, они предоставляют свои концепции понимания мира. Поэтому скоростное развитие и резкое увлечение количества потребляемой информации открыли художникам новые возможности. Также они с одной стороны очень отдалили художественное от человеческого быта, а с другой стороны приблизили до невозможных пределов. В виртуальной реальности возможно видимое воплощение фантазий и мечт, однако стоит учиться отделять реальное произведение, от его копии. В основе всего творчества Ковальского просматривается процесс протеста. Однако его основой является не эмоциональный взрыв или всплеск переживаний, а на четко сформулированном и продуманном послании, которое он хочет донести до мира. Чтобы понять работы этого художника, необходимо иметь или яркий ассоциативный ряд или же четкую систему понимания мира. Тогда сможет состояться полилог художника, его творения и его зрителем. Творения Ковальского непросты, требуют дискуссии и обсуждения. Они трактуются по-разному и вызывают неоднозначное мнение, однако нельзя отрицать вклад художника в русское и мировое искусство, а также его влияние на современность.

Из Петербурга в Ленинград. Дарья Смирнова, Студентка 2-го курса СПбГУ, факультета журналистики. Статья написана в рамках прохождения учебно-ознакомительной практики. _____________________________________________________________________________ Из Петербурга в Ленинград 4 ноября 2020 года в музее современных искусств им. С. П. Дягилева СПбГУ состоялся предпоказ выставки фотохудожественной группы Ленинградский нуар "Иное лето". Участники объединения ставят своей целью показать эстетику давно исчезнувшего города, несуществующего на картах – Ленинграда. И делают они это в захватывающем и драматичном стиле – нуар. Фотохудожественная группа Лениннуар – это творческий коллектив, состоящий из трёх участниц: журналиста и художника Алисы Севастьяновой, фотохудожника Натальи Тузовой и редактора и критика Анастасии Козакевич. Девушки снимают в стиле нуар – это кинематографичные выразительные кадры в чёрно-белой гамме, отличающиеся мрачностью и контрастностью. Направление зародилось в середине прошлого столетия в Америке на фоне Холодной войны и Великой депрессии. Эмоциональное состояние общества тех времён нашло непосредственное отражение в искусстве. Картины были буквально пропитаны отчаянием и цинизмом, излучали разочарование и безразличие. Действие происходило в тёмных переулках, ночных клубах. Такая атмосфера по сей день сохранилась в Ленинграде, который так органично смотрится на фотографиях в стиле нуар. Сами участницы говорят, что их творческая группа занимается поиском неуловимого, но интуитивно-узнаваемого. Смотря на работы художниц, сразу начинаешь понимать, о чём это: с каждой фотографии на тебя сморят места, которые ты никогда не видел, но будто знаешь их всю жизнь. Это старые сталинские дворы, городская набережная, вымощенная замшелым от времени камнем, опушка леса, мимо которого ты, кажется, ещё ребёнком ходил к реке. Фотографии отражают дух советского времени. Герои фотографий в старых новогодних масках вызывают смешанные эмоции: то ли это повзрослевшие ленинградские дети, прячущиеся за ребячьей наивностью, то ли мифические создания, таящиеся в городских закоулках. Такая полу-призрачная атмосфера завораживает с первых секунд нахождения в выставочном зале. Ощущение нереальности кадров и напряженности создаётся за счёт яркого контрастного света, расплывчатых силуэтов и игры теней. Герои в кадре освещены, но не полностью: персонаж должен растворяться в окружающей среде. Также важную роль играют необычные ракурсы, искажающие реальность. Дополняет картину эффект невнятного нарратива: с первого взгляда сюжет работ непонятен. Это сделано для того, чтобы добавить фотографиям недосказанности, незаконченности. Отсутствие чёткого повествования позволяет картине обрести множество новых смыслов. В эти снимки стоит вглядываться, чтобы не упустить ни одну деталь: «В наших работах мы, вдохновившись такими находками, хранящими остаточную энергию города, углубились в это сказочное царство сущностей и духов летнего Ленинграда, который продолжает жить в труднодоступных местах. В странных черно-белых кадрах стоит иное лето, невозможное, но оттого так безнадежно реальное». Расскажите, что вы хотели отразить в вашей выставке? Участница фотохудожественной группы Леннуар: В паспортах жителей, родившихся в этом городе, до сих пор стоит место рождения – Ленинград. Как в том анекдоте про причину переезда. Собственно, как раз причину переезда мы и хотели отразить в своей выставке. Для нас этот город похож на древнее мифическое создание, обросшее мифами и легендами. Хотелось передать атмосферу таинственного ускользающего Ленинграда, существующего в памяти каждого петербуржца: томящие белые ночи, сырой летний воздух и редкие проблески солнца. Он напоминает древнее сказочное существо. Почему вы выбрали стиль нуар? Ленинград – это определённый стиль жизни, определённая атмосфера, эстетика. Для нас она чёрно-белая, потому что это своего рода хроника, то, что мы видим на фотографиях в альбомах наших родителей. На наш взгляд, это абсолютно кинематографическая эстетика. Идея сделать выставку в стиле нуар пришла сама по себе, потому он достаточно органичен, понятен и будто создан для Ленинграда, ведь 80 процентов времени здесь темно. Мы видим мрачные улицы, лужи, в которых отражается искусственный свет, одиноко стоящие фонарные столбы, тёмные силуэты домов. Поэтому в наших работах это один из основных мотивов. Но ведь в вашей выставке очень мало городского пространства. Почему вы в основном изображаете сельскую местность? Так сделано с целью показать тему лета. Мы впервые затронули её именно в этом году, потому что лето в самом Ленинграде – это совершенно туристическая история с экскурсиями на речных трамвайчиках, белыми ночами. Мы же хотели посмотреть на лето изнутри. Что делает городской житель летом? Он не идёт смотреть разводные мосты - таким занимается турист. Ленинградец же едет на дачу. В этом и заключается суть. Часть фотографий снята в Петергофе, кстати, на территории университета. Есть кадры из электрички. Мы специально искали историческую электричку с деревянными скамейками – таких сейчас уже нет. Из городских фотографий здесь только две, причём совершенно неочевидные: одна из них снята в Коломне. На наш взгляд, этот город всё ещё сохраняет старые летние традиции. В жаркие дни жилые районы пустеют, и люди стягиваются к водоёму, прогуливаются по прекрасным набережным или просто отдыхают на пляже. Второй снимок сделан на станции метро Дунайская в районе сталинских застроек. Мы хотели передать дух старых дворов, где ты сушишь на улице бельишко и одновременно общаешься с соседями, где царит своеобразное доверие. Поэтому этот кадр мы тоже включили в нашу серию. В общем-то так мы и отразили тематику полу усадебного лета, где жители уезжают на дачи, чтобы гулять, но никогда по-настоящему там не живут. Как вы ищете локации? Нет никакой единой формулы, это всегда происходит по-разному. Иногда нам пишут знакомые, сообщая о каких-то невероятно красивых местах, иногда мы находим их сами, запоминаем, и потом возвращаемся. Бывает, что мы выискиваем локации по старым путеводителям по Ленинграду, историческим справочникам, а также ищем их на интернет-порталах. Почему все герои на ваших фотографиях в масках? Сейчас маска, конечно, ассоциируется с самоизоляцией, но этот мотив возник у нас задолго до пандемии. Для нас это попытка очень деликатно скрыть личность модели. Мы специально использовали советские новогодние маски, чтобы акцентировать внимание не на прекрасных дамах в кадре, а на мифическом пространстве. Поэтому сказочные персонажи лягушек, зайцев и мишек отлично подошли под тематику. Эти маски десятилетиями пылились на чьих-то балконах, а сейчас помогли актуализировать атмосферу старого Ленинграда. На ваших фотографиях очень много деталей. Как вы искали реквизит? Мы искали его на барахолках, в комиссионных магазинах, у бабушек. Всё, что вы видите на снимках, настоящее: от журналов семидесятых годов до военных мундиров. И то и другое, кстати, нашла наша соратница, разбирая чердак на даче. Даже весло на фотографии – подлинный антиквариат. Оно принадлежало родственнице нашей подруги. С ним сплавлялись по финскому заливу. Таких деталей очень много, и они не работают, если на них просто смотреть: сам по себе телефон не несёт никакого сакрального смысла, но, если мы помещаем его в эту атмосферу, он начинает работать совершенно по-другому. С его помощью актуализируется сказочное пространство несуществующего города, который мы наблюдаем с дня сегодняшнего. В этом и есть наша задача. Это не ностальгическая история, чтобы всколыхнуть чьи-то воспоминания, эта история должна актуализировать духовные, интуитивно-понимаемые вещи, которые объединяют этот город и до сих пор не позволяют ему исчезнуть. И пока есть такие места, где чувствуется эта атмосфера, мы будем продолжать об этом говорить. Как происходит творческий процесс? Вы заранее обговариваете, как будет происходить съёмка, или всё получается спонтанно? Готовясь к съёмке, мы много обсуждаем, какими методами будем воплощать нашу идею, обговариваем сценарий и концепт, придумываем костюмы, ищем реквизит, выбираем локации. Стараемся всегда договариваться между собой и учитывать каждую точку зрения. Место спонтанности, конечно, есть, но основные моменты всегда обговариваются заранее. Как планируете дальше развиваться? Будут ли выставки в коммерческих галереях? Вопрос о коммерции у нас никогда не стоял остро. Мы растём, развиваемся и концентрируемся на собственной деятельности и самоидентификации. Когда наши навыки будут достаточными для того, чтобы демонстрировать их в галереях другого уровня, мы обязательно это сделаем. А пока продолжаем работать. К тому же для того, чтобы устроить выставку в таком месте, нужно найти куратора и команду, с которой будет комфортно работать. Мы ещё находимся в поиске.

Работы Александра Теребенина в интерьерах виртуальной части нашей выставки Уединение. Сама выставка работает последние 3 дня в выставочном зале Нового музея Аслана Чехоева (6-ая линия В.О., 29 ) до 06.12.2020. виртуально выставка доступна по ссылке: https://diaghilevmuseum.ru/virtual-3d-exhibition-solitude...

Санкт- Петербургский государственный университет Факультет свободных искусств и наук СПбГУ Музей современных искусств им. С.П. Дягилева СПбГУ Новый музей Аслана Чехоева представляют: Выставка «Уединение» Выставочный зал Нового музея Аслана Чехоева 6-ая линия В.О., 29 25.11- 06.12.2020

https://izi.travel/browse/c4402cc0-4761-4da5-8441-de0aaef7a794/ru Музей современных искусств им. С.П. Дягилева СПбГУ представляет онлайн выставку художника Елены Щелчковой. Елена Щелчкова - известный Петербургский художник, член Международной Федерации художников IFA, член Союза художников России. Она реализовывает себя как живописец, график, автор перфомансов, работает с текстилем и создает этнографические куклы. Она ведет активную выставочную деятельность. Сейчас Музей готовит ее выставку в режиме офлайн в нашем выставочном зале на набережной Л. Шмидта 11. Линии передач Вдох и выдох, движение и покой, поток информации и тишина, но наполненная, живая, сообщающая, как воспоминание Город L - Лена - Ленин - Град - L. Что остается из детства в памяти? Кукольный мир? Игрушки? И не только. Калейдоскоп красивых видов в фотографиях, детские страшилки про оживающих кукол, наряды того времени. Женские модели, дети, куклы, классические живописные персонажи стали постоянными темами для Елены Щелчковой. Её работы напоминают картины экспрессионистов, но несут в себе элементы концептуальной живописи. К натуре она равнодушна. Ее интересуют образы. Ее не волнует, кто запечатлен на картине, конкретный человек или какой-нибудь классический живописный персонаж. В лицах героинь Елены можно с большим трудом ее саму в автопортретах или Олимпию с картины Эдуарда Мане — все они волею автора утратили свое «я» и стали для нее всего лишь исходным художественным материалом. Она использует эти образы, как бы изобретая их заново, предлагая им новую жизнь. Источником вдохновения могут стать семейные фотографии, журнальные картинки или кино Часто ее картины носят откровенно эротический характер. Картины и рисунки обычно выглядят вызывающе. Тревожные цветовые сочетания. Большинство ее работ - это портреты, но не в традиционном смысле. Это скорее представление эмоций или настроения. Её неизменные персонажи разных лет, выполнены в тонкой акварельной манере. Активная выставочная деятельность Елены Щелчковой началась с начала -90х. Елена Щелчкова участница выставок, арт-конкурсов и фестивалей, проходивших в России и за рубежом. Автор более тридцати персональных выставок, перформансов и арт-проектов. В 2004 получила грант для реализации проекта в арт –резиденции Дома-музея Тересии и Рафаела Лённстрёма (г. Раума, Финляндия) . В 2015 представляла свое творчество и проводила мастер классы на Днях Русской культуры в Дрездене (Германия) Победитель в конкурсе « Пленер в Летнем саду ». По графике Елены Щелчковой написана научная исследовательская работа. Её работы украшают частные коллекции в России и за рубежом. Альяна Мо

Painters Painting, 1972 (Художники за работой или Картины художников): Документальный фильм показывающий художественную сцену Нью-Йорка 1940-1970. Он охватывает американские художественные движения от абстрактного экспрессионизма до поп-арта через беседы с художниками в их студиях. В фильме задействованы такие артисты, как Willem de Kooning, Jasper Johns, Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Barnett Newman, Hans Hofmann, Jules Olitski, Philip Pavia, Larry Poons, Robert Motherwell, and Kenneth Noland.

Модели «Американской готики» Гранта Вуда позируют рядом с картиной: Нэн Вуд, сестра художника, и Байрон Маккиби, его семейный дантист. #diaghilevspbu

2013 год. Выставка Юрия Штапакова. Алтарь Афродиты. #diaghilevspbu

Про непрерывность искусства. #Basquiat #malevich #contemporaryart #diaghilevspbu

Замечательная книга посвященная великолепному художнику Феликсу Валлоттону. Издательство Альциона, 1918 год. Vallotton, 1865—1925— швейцарский график и живописец, работавший во Франции. Учился в академии Жюлиана в Париже. В 1891—98 работал преимущественно в технике гравюры на дереве. "...Выразительные портреты писателей и бытовые сцены из жизни Парижа, строящиеся на напряженном сочетании белых и глубоких черных пятен, предельно лаконичны..." #Vallotton #diaghilevspbu #ксилография

Художественный фильм "Реклама для гения" или "Тайны школы искусств" ( Art School Confidential), 2005 год, США. "...Быстрее всего набирают очки вовсе не те ученики, кто действительно даровит, а те, кто умеет себя грамотно пропиарить. Скандальная самореклама приносит больше, чем бессонные ночи у мольберта. Осознав эту простую истину...". Фильм снят на грани детектива, подростковой комедии, мелодрамы. Фильм стоит посмотреть хотя бы из за Малковича в роли художника который всю жизнь рисует треугольники))))) #art #diaghilevspbu #фильмохудожниках .

"Звуки " - альбом стихотворений в прозе и ксилографий Василия Васильевича Кандинского, изданный Райнхардом Пипером на немецком языке в 1912 году. Современники высоко оценили этот эксперимент создателя беспредметного искусства. "Из чистого бытия он призвал в этот мир неслыханные прежде красоты. В стихах появляется такой порядок слов и фраз, какого прежде в поэзии не существовало", - писал об альбоме Ханс Арп. Однако на родине художника книга осталась практически неизвестной, хотя первоначальный вариант был создан им в России. В данном издании использованы тексты, входившие в русский, неизданный, вариант альбома; те же, которые были добавлены Кандинским в немецкое издание, переведены Борисом Соколовым. В послесловии подробно рассказывается об истории альбома и дальнейших поэтических опытах его автора. Художник-оформитель издания Сергей Егоров с максимальной точностью воспроизвел особенности немецкого издания и разработал для книги специальный кириллический шрифт. В альбоме 38 текстов, 44 черно-белых и 13 цветных гравюр на дереве. #кандинский #diaghilevspbu #kandinsky