Отзывы о Галерея Фонда Императорское Общество Поощрения Художеств
Отзывы посетителей о Галерее Фонда Императорское Общество Поощрения Художеств
0
0
0
0
Оставить отзыв
|
|
Комментарии посетителей
Новости официального сайта и группы ВКонтакте
Общество Поощрения Художеств. Галерея
вчера в 17:54
Николая Акимова называют мастером психологического шаржа. Каждый художник-портретист и жанрист является всегда и режиссером: он организует окружение, подбирает драматургически значимые детали, работающие на раскрытие образа и сюжета, выстраивает соотвествующую композицию. В случае с Акимовым все это умножается на три, причем, благодаря его страсти к гротеску и обострению, работает уже на уровне линии и пятна. В этом можно убедиться на примере его портретов. Его рисунки точны, лаконичны, заряжены фирменной иронией автора и содержат найденное художником «сценическое зерно» личности. И это всегда также немного портрет самого Акимова.
Сегодня знакомимся с героями его «графического спектакля», описания – в комментариях к рисункам.
30.10.2026 в 08:47
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Андрей Николаевич Шильдер «Рыбалка. Осень», х.м., 1900-е
Передвижники сделали стаффаж важным инструментом повествования в отечественной живописи. Он мог усиливать драматизм пейзажа, задавать масштаб и глубину пространства, а иногда – и это наследие Венецианова и мастеров его круга – подчеркивать гармонию человека и природы, говорить о единении с нею. Такова роль человеческой фигуры и здесь, в шедевре лирического реализма Шильдера.
Андрей Николаевич Шильдер (1861–1919) — самобытный русский живописец, академик Императорской Академии художеств и активный участник Товарищества передвижников. Ученик И.И. Шишкина, Шильдер, не имевший базового академического образования, со всей серьезностью воспринял «букву» своего наставника — филигранную проработку деталей и любовь к лесной глуши, но «дух» он привнес целиком свой. В «Рыбалке», как примере зрелого творчества мастера, видные все черты его стиля: особая воздушная среда, свет, как бы пронизывающий лес, ощущение полного покоя и душевного равновесия. Современники отмечали, что натурные зарисовки Шильдер весьма значительно переосмыслял в студии. Потому как бы нам не хотелось сейчас опознать этот кусочек природы — а художник делал много зарисовок в окрестностях Петербурга — образ все-таки собирательный.
28.10.2026 в 19:27
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Сегодняшний герой нашей рубрики —Николай Петрович Богданов-Бельский (1868 — 1945) — выдающийся русский художник-передвижник, академик живописи и председатель Общества имени Архипа Куинджи. Будучи внебрачным сыном крестьянки-батрачки, фамилию «Богданов» («Богом данный») он получил при крещении, вторую часть, «Бельский», добавил позже в честь родного Бельского уезда. Выведенный своим талантом в люди, он всегда помнил не только о среде, из которой вышел, эта среда оставалась и главным источником вдохновения. Центральное место в творчестве художника занимала тема крестьянской детворы и сельской школы. С большим теплом, искренностью и психологической точностью изображал он повседневную жизнь деревенских детей и их стремление к знаниям. Несмотря на свой передвижнический контекст, Богданов-Бельский часто добавлял в детские сюжеты почти импрессионистский солнечный свет, чистые краски и ощущение свежего воздуха.
Само отношение к детству, как периоду человеческой жизни, имеющему самостоятельную (а не только «подготовительную») ценность, сформировалось в культуре далеко не сразу, в XIX веке оно, под влиянием искусства психологического романа, окрепло, и визуализировалось в работах ряда авторов, среди которых Богданов-Бельский занимает, пожалуй, центральное место. Никто до него не писал крестьянских детей с такой искренней любовью, уважением и психологической глубиной.
27.10.2026 в 19:34
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Валентин Александрович Серов «У окна. Портрет О.Ф. Трубниковой», х.м., 1886
С Ольгой Федоровной Трубниковой (1864 -1927), воспитанницей дяди и тети Серова, художник познакомился в Петербурге еще за несколько лет до создания этого портрета. В время обучения в Академии художеств (1880 -1885), он вместе со своими товарищами Михаилом Врубелем и Владимиром Дервизом часто бывал у Симоновичей на Кирочной улице. Одного взгляда на этот легкий, сияющий внутренним светом этюд достаточно, чтобы понять причину его визитов. В 1880-м девушка стала невестой Серова.
Картина была написана летом 1886 года в селе Едимоново Тверской губернии, где Симоновичи снимали усадебный дом. Здесь влюбленные встретились после долгой разлуки. По причине хрупкого здоровья и по рекомендации врачей девушка жила в Одессе. Серов в это время совершил длительное путешествие по Европе, изучая старых мастеров. Они общались только эпистолярно, и оба жили в неопределенности. Серов еще не имел стабильного дохода и не мог предложить Ольге замужество. Однако летом 1886 года она все-таки приехала на север для встречи.
Это окно художник написал дважды. Сначала в ожидании приезда невесты — чистый интерьерный этюд — «Открытое окно. Сирень». Здесь уголок усадебного дома пронизан так хорошо сразу узнаваемым «серовским» ярким летним светом. А когда приехала Ольга, художник написал ее там же, но тональность работы совсем другая. Нередко тут говорят о влиянии Рембрандта, но дело не только в этом. Все так же неопределенность витает над молодыми влюбленными, свидание было кратким, впереди их снова ждала разлука. И художник прекрасно уловил и передал состояние Ольги.
Через три года ситуация благополучно разрешилась, семейная жизнь Серовых сложилась счастливо, они прожили вместе 22 года и стали родителями двух дочерей и четверых сыновей.
P.S. Сам художник впоследствии говорил об этой картине так: «Знаешь, я иногда вынимаю мой летний этюд с тебя, помнишь, у окна, и с удовольствием на него смотрю, хотя он и черен, но мне нравится, и ты похожа».
24.10.2026 в 10:35
«Два века над водой» — подведены итоги конкурса! Вчера состоялась торжественная церемония награждения победителей международного конкурса художественных работ «Два века над водой: Банковский, Львиный и Египетский мосты», посвящённого 200-летнему юбилею этих важнейших достопримечательностей Северной столицы. Мы благодарим всех, кто сделал этот конкурс возможным! Участие в нем приняли 84 автора из России и Беларуси со 120-ю работами, спасибо им за их талант, искренность и любовь к городу. Благодарим партнёров «ТурПрессКлуб» и «МОСТОТРЕСТ» за поддержку и специальные номинации, а жюри и организаторов за внимательную и непростую работу по выбору лучших.
Поздравляем победителей:
I место — Мунтиев Павел (СПб) — за философскую глубину работы «Мосты времён».
II место — Васильева Алёна (СПб) — за мощь и торжественность «Златокрылых стражей».
III место — Бутрин Павел (Москва) — за искренность и сказочную атмосферу «Заветного желания».
Отдельные поздравления номинантам:
Забава Родионова (Комсомольск-на-Амуре) — «Самый дальний участник».
Софья Васильева, Диана Димитрова, Мария Скворцова — специальная номинация «Мистический Петербург» от «МОСТОТРЕСТА».
Лучшие конкурсанты примут участие в нашем новом проекте «Архиграфика. Печать города».
Конкурс завершён, но наше сотрудничество только начинается. Мы приглашаем всех участников конкурса к участию в аукционе, которые состоятся 21 ноября 2026 года. Это уникальная возможность представить свои работы широкой публике и коллекционерам, стать частью большого события, посвящённого архитектуре Петербурга, а также обсудить условия участия и экспонирования с куратором галереи.
Если вас заинтересовало наше предложение, свяжитесь с нами по электронной почте mail@oph-art.ru
Мосты соединяют берега, а искусство — сердца.
С уважением,
Ермолина Людмила,
директор галереи, председатель комиссии конкурса
23.10.2026 в 18:28
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ
В 1914 году художница Марианна Веревкина рассказала о своих творческих поисках на конференции Ассоциации художников в городе Вильно: «Сквозь все извилины принятого ложного художественного воспитания, сквозь реализм моего учителя Репина и шик моих заграничных учителей, сквозь мою личную талантливость, столь враждебную исканию чистых идеалов искусства, добралась я наконец до сознания, что в душе моей, рядом с моей любовью и верой, живут совершенно тождественные им линии и краски и что движения и сочетания их ближе всего могут передать суть моего двойственного Я». Как отреагировал убежденный реалист Репин, авансом назвавший ученицу «русским Рембрандтом», неизвестно, но известно, что эта эволюция стиля Веревкиной от реализма к символизму и экспрессионизму в целом отражает художественную жизнь своего времени.
Марианна Владимировна Верёвкина (1860 — 1938) — русская художница, представительница экспрессионистского течения в живописи, важная фигура авангарда конца XIX — начала XX вв. В 1901-м она начала вести дневник, которому сразу дала «книжное» название — «Письма к неизвестному». Кроме личных переживаний вносила она туда и философские размышления об искусстве. Считается, что В.В. Кандинский вдохновлялся ее идеями, когда писал сочинение «О духовном в искусстве».
Сегодня рассматриваем картины Веревкиной разных периодов и думаем, соглашаться ли или поспорить со следующей высказанной ею в дневнике мыслью: «Величие искусства состоит не в том, что уже создано, а во всем, что еще предстоит создать. Если бы искусство проявлялось через то, что существует, оно не имело бы ни малейшего смысла».
22.10.2026 в 19:37
#ПОВЕСТЬНАХОЛСТЕОПХ СТРЕКОЗА Василий Дмитриевич Поленов «Стрекоза», х.м., 1876
Попрыгунья Стрекоза
Лето красное пропела;
Оглянуться не успела,
Уж зима катит в глаза.
Трудно заподозрить И.А. Крылова, человека, привыкшего к систематическому труду, в большом сопереживании героине его басни. А вот В.Д. Поленова, пожалуй, можно. Вот какими словами поясняет он свою работу в письме к Е. Мамонтовой: «Название картины сией будет франкское «Cоловей в беде», а изображает она девицу, заимствованную из окрестностей града Парижа <…> а на гитаре она играет не поразительно, но поет зато весьма чувствительно, нравом обладает весьма приятным, обстоятельства ее не особенно статейные, но ведь могут поправиться». Глядя на милую задумчивую девушку, и зритель начинает надеяться, что обстоятельства поправятся, уж очень она похожа на героинь Золя, и очень непохожа на взбалмошную Стрекозу Крылова.
Картина была написана Поленовым, когда подходила к концу его пенсионерская поездка 1872–1876 гг., и в ней хорошо заметно влияние французской жанровой живописи 1870-х. Встреча близ Парижа с артисткой послужила импульсом, продиктовала сюжет, а лицо героини художник писал со своей любимой французской натурщицы Бланш Ормье. Картина была представлена в 1876 году на Осенней академической выставке в Санкт-Петербурге в качестве отчёта о пенсионерской командировке. Там же В.В. Стасов назвал ее «слишком французской» по стилю и колориту, т.е., по сути, снова упрекнув «Стрекозу» в легкомысленности.
А вам не кажется, что любая Стрекоза должна быть «немного французской»?
21.10.2026 в 20:11
#ОБРАЗТРУДАОПХ Александр Николаевич Самохвалов «Щебенщики» холст, темпера, 1926
Эта работа художника – один из этапов становления новой для XX века иконографии труда. И даже слово «иконография» тут имеет свою подоплеку и обеспечивает «Щебенщикам» дополнительные приращения смысла. Но обо всем по порядку.
Итак, эта «социалистическая фреска» была вдохновлена реставрацией древнерусских фресок Георгиевского собора в Старой Ладоге, в которой художник принимал участие. В книге воспоминаний «Мой творческий путь» и рабочих записях Самохвалов объяснял, что этот опыт открыл ему глаза: «Тот лаконизм, ясность цветового замысла, ясность направленности цветосложения, которые свойственны лучшим образцам древнерусской живописи, воздействовали и на мои поиски». Он стремился уйти от простого бытописания и «выразить символику времени в каждом мазке» и подчеркивал, что не хотел изображать рабочих жертвами тяжелого труда, как это делали передвижники. Это был и социальный заказ молодого строящегося государства: рабочий вышел на авансцену истории. Отношение к труду, особенно труду физическому, в корне поменялось. Отныне он мыслился как праздник, как возможность создавать новый прекрасный мир.
В 1920-х особенно активно разрабатывались новые композиционные и изобразительные приемы, новая визуальная идеология, подразумевающая трудящегося человека главным героем. Все творческие искания Самохвалова отвечали этим задачам как нельзя лучше. Здесь и работающая на монументализацию образа сферическая перспектива, унаследованная художником от своего учителя К.С. Петрова-Водкина, и охристая, плоть от плоти земли и камня, цветовая гамма, и расстановка фигур, задающая динамику сцене. Неудивительно, что картина стала мощным манифестом ленинградского общества «Круг художников», куда Самохвалов входил в 1926–1930 гг. Близкие «круговцам» критики отмечали, что мастеру удалось создать «живописную форму высокого качества», которая при этом понятна и близка пролетариату, поскольку очищена от «мещанских бытовых подробностей». Однако отсутствие этих самых деталей не стало «художественной индульгенцией» для представителей Ассоциации художников революционной России, которые увидели здесь «излишний формализм» и «эстетство». То, что кажется сейчас обычным «спором о вкусах», было по тем временам важнейшим вопросом визуальной идеологии, а также старым как мир вопросом о степени реалистичности изображаемого.
А какой образ труда ближе всего вам? Делитесь в комментариях.
20.10.2026 в 19:57
Сегодня в нашей рубрике #ПАЛИТРАПУТЕШЕСТВИЙОПХ не пейзаж, хотя пейзаж тоже есть, это горы Коктебеля. Но главная примета места, а этом случае во всех смыслах и гений места, здесь, конечно же, Максимилиан Волошин.
Весь драматизм этого "путешествия" в том, что картина была написана Кустодиевым в 1924 году в Ленинграде, в мастерской. Сам художник никогда в Коктебеле не бывал, и хотя Крым он посещал несколько раз, все его поездки были связаны с лечением и Южным берегом полуострова. Крымские горы и знаменитый мыс Хамелеон на заднем плане портрета, Кустодиев писал по воображению и акварельным наброскам Волошина.
Волошин, во время сеансов живописи вслух читал свои стихи. Вот что сообщает в своем дневнике искусствовед, график и близкий друг Кустодиева В.В. Воинов, который не только присутствовал при этом, но и сам делал наброски с Волошина, пока тот позировал для большого портрета маслом: «Поехал к Кустодиеву рисовать М. А. Волошина (первый набросок вышел довольно удачным!). Максимилиан Александрович прочел нам свою поэму „Протопоп Аввакум“ — это одно из сильнейших его произведений...».
Кустодиев ценил в Волошине не только поэтический дар, но проницательность художественного критика. Портрет его стал портретом скорее литератора и мыслителя, где поистине демиургический, самодержавный облик творца подчеркнут фронтальной композицией и особой монументальной торжественностью образа. Думается, свой вклад внесло и чтение "Протопопа Аввакума".
Прежде нежели родиться — было
Во граде солнечном,
В Небесном Иерусалиме:
Видел солнце, разверстое, как кладезь.
Силы небесные кругами обступили тесно —
Трижды тройным кольцом Сияющие Славы.
Максимилиан Волошин «Протопоп Аввакум» (1918)
18.10.2026 в 19:47
#УТРАЧЕННАЯЖИВОПИСЬОПХ Утраченная «Леда и лебедь» кисти Леонардо да Винчи (ок. 1508) — единственная крупномасштабная работа мастера, в основе которой мифологический сюжет. Картина находилась во французском королевском дворце Фонтенбло, но в начале XVIII века её следы, как загадочно формулируют источники, затерялись. Сегодня мы попробуем ее «реконструировать», т.е. мысленно воссоздать, представить на основе сохранившихся материалов (подготовительных набросков Леонардо и работ его учеников), свидетельств современников и собственного воображения. Да, воображение, когда дело касается искусства, незаменимо не только в процессе его создания, но и в процессе восприятия. А там, кто знает (в истории искусства случались и не такие чудеса), может быть, и действительность «подтянется», и картина где-то обнаружится.
Приступим. Напомним сюжет: Зевс пленился красотой супруги спартанского царя Леды и явился к ней в образе белоснежного лебедя. Результатом этого союза стало появление четверых детей — близнецов Диоскуров, Елены Прекрасной и Клитемнестры. Сложно сказать, что подтолкнуло автора к выбору сюжета, человекоориентированная идеология Ренессанса или любовь художника ко всему необычному. Замысел зрел с начала 1500-х годов, а уезжая во Францию по приглашению Франциска I, Леонардо забрал начатую картину с собой. Так она и оказалась в итоге в Фонтенбло. В 1625 году итальянский меценат и учёный Кассиано дель Поццо оставил достоверное описание картины, где отметил тончайшее исполнение деталей и факт, что картина находится в не лучшем состоянии, так как доски начали рассыхаться. Но главное, он описал композицию картины: «Леда предстает перед зрителем совершенно обнаженной, стоящей в полный рост, рядом с ней изображен лебедь, а также два разбитых яйца, из скорлупы которых появляются четверо детей-младенцев...». Чуть позже известный историк искусства Джорджо Вазари упомянул «Леду» в своем фундаментальном труде «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев». И хотя Вазари в основном собирал сведения во Флоренции, он зафиксировал, что Леонардо создал невероятную по исполнению «Леду», а также упомянул в этом контексте учеников мастера.
После словесного описания нам весьма пригодятся для «реконструкции» картины дошедшие до нас наброски и копии. Рисунки пером, где Леонардо детально прорабатывал элементы картины, хранятся ныне в Виндзорском замке и музеях Европы. До наших дней дошло и несколько живописных копий, созданных ближайшим окружением мастера. Самая известная из них приписывается Франческо Мельци и хранится в римской Галерее Боргезе. Ещё одна, работы Содомы, находится в Галерее Уффици. Кстати, рентгеновские исследования работы Мельци показали, что под верхним слоем краски скрывается рисунок коленопреклоненной Леды — именно таким был и самый ранний замысел Леонардо, от которого он позже отказался в пользу стоящей фигуры. Великие современники Леонардо тоже не могли пройти мимо «Леды». Так молодой Рафаэль Санти, увидев картину во Флоренции около 1507 года, сделал с неё рисунок чернилами, повторив позу героини.
Из всего вышерассмотренного следует, что обнажённая Леда да Винчи стояла в полный рост, и автор применил фирменный приём контрапоста — динамического скручивания тела (бедра развернуты в одну сторону, а голова и плечи — в другую), что придало фигуре невероятную пластику и грацию. А загадочное, медитативное настроение персонажей мы можем домыслить, зная другие работы мастера.
Что же стало причиной ее утраты? Возможно, сам вольный сюжет картины, а может быть ненадежность материального носителя. На рубеже XVII и XVIII веков картина пропала из дворцовых описей. Основная версия специалистов, объясняющая исчезновение: картина была уничтожена (ввиду неподобающего сюжета) по указанию мадам де Ментенон (второй жены Людовика XIV), которая ввела при дворе строгие пуританские правила. А может все оказалось прозаичнее, и упомянутые дель Поццо доски подвели.
Как думаете, стоит искать "Леду", или достаточно любоваться сохранившимися работами гения?
18.10.2026 в 15:49
❗❗❗Дорогие друзья! Обратите внимание: произошли изменения в работе галереи.
Выходные дни: воскресенье, понедельник, среда.
Выставку «Рука мастера» можно посетить по предварительной записи по телефону: +7 (911) 090-09-59
18.10.2026 в 13:43
#АУКЦИОНОПХ Дорогие друзья, прямо сейчас вы можете присоединиться к торгам на онлайн-площадке Bidspirit, где проходит наш Аукцион № 40. Даже если вы никогда ничего подобного не пробовали, стоит туда заглянуть!
По-настоящему яркая аукционная осень у нас получилась, впрочем, все сами увидите в каталоге: живопись и графика, и много замечательных эстампов. Чуть позже расскажем подробнее об авторах, а сейчас ждем на страничке
https://oph-art.bidspirit.com/?pt=34d40946-2822-4df8-923d-2a75826e385b&lang=ru&fromPortal=1#live~293
17.10.2026 в 19:54
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Николай Константинович Рерих «Стрелы неба - копья земли», х. м., темпера, 1915
Сегодня смотрим на облака вместе с Николаем Константиновичем Рерихом. Он отмечал, что созерцание их с детства приносило величайшую радость; в облачных силуэтах ему виделись чудные животные, богатыри, ладьи с парусами и горные хребты. Эти впечатления были так сильны и устойчивы, что со временем вылились в эссе «Небесное зодчество», где художник уподобляет небо великой «небесной книге», доступной каждому. Эссе было написано уже в зрелом возрасте, в 1939 году, Рерих подробно описал свое понимание живописи неба и облаков, развернув целую художественно-философскую концепцию, в которой природа, ваяющая облака, мыслилась им как великий скульптор и строитель.
Конечно, эта небесная архитектура нашла самое широкое отражение и в его живописи. Например, в картине «Стрелы неба — копья земли», написанной в 1915 году и ставшей одним из самых мощных и экспрессивных произведений его предвоенного и военного цикла (1914–1915 гг). Замысел родился на почве серьезного увлечения Рериха старинными текстами. По версии исследователя творчества художника Е. П. Маточкина источником вдохновения послужили «Пророчества» Леонардо да Винчи, а именно «Загадка о мечах и копьях», где гений Ренессанса писал, что творения человеческих рук и станут причиной гибели цивилизации.
В предвоенные и военные годы (1912–1915) образ Огня и Неба у Рериха эволюционировал от предчувствия бури к концепции космического возмездия и высшей воли. Художник заложил сюда идеи русского космизма, учения о связи человека, природы и Вселенной. «Стрелы неба — копья земли» показывает столкновение двух миров, где Космос обрушивает свой предупреждающий гнев на землю. «Копья земли» — земное пространство в зловещих багровых тонах, ощетиненное множеством тонких острых копий. «Стрелы неба» — бурлящая стихия, живой Космос, посылающий вниз ответное очищающее пламя.
P.S. Кстати, о Леонардо да Винчи мы будем говорить завтра, оставайтесь с нами!
16.10.2026 в 18:41
Вчера мы принимали у себя в гостях участников Всероссийского семинара-практикума специалистов информационно-издательских служб региональных методических центров в сфере народного творчества. Звучит официально, но было весело и без всяких формальностей.
Мастер-класс по петербургской росписи провели настоящие хранители традиций декоративно-прикладного искусства — мастера культурно-досуговых учреждений Санкт-Петербурга. А музыкальным украшением вечера стало выступление Образцового семейного фольклорного ансамбля «Золотая веточка». И в хороводе закружились все! (и мы тоже :)
Впереди выходные, а значит ждем на выставке "Рука мастера"!
15.10.2026 в 21:26
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Зинаида Евгеньевна Серебрякова «Жатва», х.м., 1915
В мае и июне 1914 года художница посетила Северную Италию, Германию и Швейцарию, но начало Первой мировой войны побудило ее вернуться домой. В Курской губернии, в семейном имении Нескучное Серебрякова начала воплощать ренессансные настроения в этюдах и картинах с изображениями крестьян, показывая силу и цельность их личности. Ей хотелось создать полотно, «в котором обычное, повседневное раскрылось бы как возвышенное, в котором образы крестьян стали бы носителями общечеловеческих идеалов». Это не крестьяне критического реализма, не венециановские поэтичные девушки и дети, это гармоничные и почти монументальные люди.
Для «Крестьянок в поле» (так сначала называлось полотно) было сделано множество натурных этюдов. Дух Ренессанса и «Речи о достоинстве человека» Пико деллы Мирандолы так явственно витал над картиной, что чуть позже, в 1922 году, искусствовед Сергей Эрнст дал Серебряковой следующую характеристику: «...мужественная и не допускающая никаких женских черт в творчестве», видимо, понимая под «женскими чертами» сентиментальность, слабую, шаблонную композицию и шаблонную же трактовку женских образов.
Работа над «Жатвой» заняла около двух лет. Часть материалов, связанных с созданием полотна, не сохранилась — они сгорели во время пожара в Нескучном в 1918 году. Картина была впервые представлена публике в 1916 году на проходившей в Петрограде выставке объединения «Мир искусства» и была с восторгом встречена публикой.
14.10.2026 в 12:23
«Безбашенная выставка. Современные метаморфозы Серебряного века» завершилась, но её эхо продолжает звучать. В свежем номере «Аргументов и фактов» вышел прекрасный материал Алисы Широбоковой — о нас и о трёх художниках, чьи работы стали частью проекта: Белле Матвеевой, Фёдоре Олевском и Анастасии Нелюбиной.
В материале поднимается и наша история: как возрождённое «Общество поощрения художеств» продолжает традицию, начатую в 1820 году, и почему для нас так важна преемственность поколений.
Предлагаем вспомнить о выставке и погрузиться в материал вместе с нами. Спасибо «АиФ» за внимание к проекту и до новых встреч в выставочном зале на Шпалерной, 35. Сейчас у нас идет не менее интересная выставка ! Приглашаем!
12.10.2026 в 17:16
#ОБРАЗТРУДАОПХ Евгений Васильевич Седухин «Симфония шестой домны», х.м., 1979
Здесь поэтизация труда достигает своей кульминации (а музыка так и звучит крещендо), и образ кажется собирательным и максимально идеализированным. Однако, изображено на картине реальное место — самое сердце Нижнетагильского металлургического комбината — шестая доменная печь. Домна — это огромная металлургическая печь шахтного типа, предназначенная для выплавки чугуна и ферросплавов. Она работает непрерывно десятками лет, от постройки до капитального ремонта, творя практически алхимии в огромных масштабах, и от этой алхимии во многом зависит благосостояние народа. Потому столь монументальная композиция и толкование образа в почти визионерском духе очень подходит для описания истинной сути этой вещи.
Имя автора картины, Евгения Васильевича Седухина (1930–2023), живописца, монументалиста и педагога, неразрывно связано с нижнетагильской школой живописи второй половины XX века. Он прославился умением объединять суровую романтику индустриального Урала с поэтичностью народных сказов и лирическими пейзажами.
11.10.2026 в 10:36
Друзья, у нас три ❗МАСТЕР-КЛАССА в октябре в рамках фестиваля "Открытое сердце Петербурга"! А это возможность одновременно увидеть новую выставку и попробовать свои силы в новых техниках.
Мастер-класс «Вальс цветов», карвинг — 13 октября, 15:00.
Мастер-класс «Рябиновая кисть», бисероплетение — 20 октября, 15:00.
Мастер-класс «Любимый вид», валяние из шерсти — 27 октября, 15:00.
Для участия требуется предварительная запись по электронной почте: zavomo@krcsr532.ru . Количество мест ограничено, вход по билету на выставку «Рука мастера». Мастер-классы рассчитаны на взрослую аудиторию (старше 18 лет).
10.10.2026 в 20:13
Кто сказал, что у осени обязательно золотисто-рыжая палитра? Калейдоскопом всех цветов и фактур получилось открытие выставки "Рука мастера": веселье, праздник и настоящий творческий хоровод.
Сама выставка отличается разнообразием видов искусства, стилей и техник исполнения. Тут и живопись, и графика, и декоративно-прикладное искусство. Приходите, все сами увидите.
Ну а .
08.10.2026 в 14:44
13 октября в 15:00 в нашей галерее на Шпалерной ул., 35 в рамках выставки «Рука мастера» начинается фестиваль «Открытое сердце Петербурга». Он стал совместным проектом «Общества поощрения художеств» и Санкт-Петербургского государственного бюджетного учреждения «Центр социальной реабилитации инвалидов и детей-инвалидов Красногвардейского района». Знакомим вас с его программой:
День первый — «Город Петра» (13 октября, 15:00)
Концепция дня — разговор о городе искусства, музыки, архитектуры и красоты. Гостей ждёт изящная танцевальная композиция «Менуэт» в исполнении участника театральной студии «Лукоморье», а затем знакомство с удивительным миром карвинга. На мастер-классе «Вальс цветов», который проведет специалист по социальной работе Никитичева Татьяна Николаевна, участники создадут настоящий букет из овощей, превращая простые природные материалы в произведение искусства.
День второй — «Рябиновая кисть» (20 октября, 15:00)
Второй день посвящён Году единства народов России, многообразию культур и традиций народов нашей страны. В центре внимания — красота народного искусства. Мастер-класс по бисероплетению «Рябиновая кисть» под руководством Жанны Викторовны Озолиной, специалиста по профориентации инвалидов, позволит из маленьких бисеринок создать образ русской осени — яркий и поэтичный.
День третий — «Осенний джаз» (27 октября, 15:00)
Завершает фестиваль день, посвящённый петербургской осени — её ритму, цвету и настроению. Мастер-класс по валянию из шерсти «Любимый вид» под руководством Людмилы Александровны Квакиной позволит сохранить мгновение осени, её цвет, фактуру и хрупкую красоту, в тактильном творчестве.
Дорогие друзья, для участия в мероприятиях фестиваля «Открытое сердце Петербурга» требуется предварительная запись по электронной почте: zavomo@krcsr532.ru . Количество мест ограничено! Вход по билету на выставку «Рука мастера»! Фестиваль рассчитан на взрослую аудиторию: к участию приглашаются гости старше 18 лет.
Фестиваль «Открытое сердце Петербурга» — это коллективные творческие практики и инклюзивные форматы.
07.10.2026 в 18:01
Дорогие друзья, XIII городская выставка «Рука мастера» ждет вас в «Обществе поощрения художеств» с 9 октября! Этот проект, организованный Домом народного творчества при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга, стал доброй традицией для творческого сообщества культурно-досуговых учреждений города. В нашем городе работают 27 бюджетных культурно-досуговых учреждений, где занимаются творчеством и проводят досуг все желающие — от малышей до людей старшего возраста. Особой популярностью пользуются студии изобразительного и декоративно-прикладного искусства. Их руководители — и есть авторы представленных в экспозиции работ. В этом году в выставке принимают участие мастера из 18 учреждений, расположенных в разных районах города: культурно-досуговые центры «Красносельский», «Красногвардейский», «Подвиг», «Ижорский», культурные центры «Троицкий», «Приморский», Центр культуры и досуга «Кировец», Дворец культуры «Нева», дома культуры «Парголовский», «Левашовский», «Пушкинский», «Ломоносовский», «Суздальский», Дом культуры им. В.В. Маяковского, «Дом культуры и творчества Курортного района», Центр культуры, кино и досуга «Павловск», Клуб «Выборгская сторона», Культурно-досуговый центр Калининского района.
«Рука мастера» — это и рука художника, владеющего техникой, и рука педагога, ведущего за собой учеников. Участники экспозиции — мастера своего дела, которые ежедневно передают опыт многочисленным ученикам, и выставка даёт возможность увидеть, как они мыслят, как пишут, какие темы и сюжеты их занимают.
Ждем на Шпалерной, 35!
07.10.2026 в 08:47
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Евгений Евгеньевич Лансере «Императрица Елисавета Петровна в Царском Селе», бумага на картоне, гуашь, 1905
Задуманная как иллюстрация к монографии А. Бенуа «Царское Село в царствование императрицы Елизаветы Петровны», эта работа осталась отдельным станковым произведением, она не вошла в напечатанную в 1910-м книгу.
Пышный выход императрицы со свитой из Екатерининского дворца зритель видит с намеренно заниженной точки зрения, отчего фигура Елизаветы становится поистине монументальной, но сама сцена не утрачивает живости. Напротив, появляется ощутимый эффект соприсутствия, которым Лансере (как истинный мирискусник) парадоксально наделяет сюжет, который должен восприниматься нами как бы через «стекло времени».
Ностальгия мирискусников имела влюбленно-ироническую (редчайшее сочетание двух эмоциональных фонов) природу; это было чем-то большим, чем стилизация, это было упоительным любованием (с безопасного расстояния) отжившим, но полным выразительных деталей миропорядком. Художники «Мира искусства», нередко избиравшие сюжеты о монархах, наконец провозгласили настоящий абсолютизм, абсолютизм живописи и графики. Так выпукло, но при этом изящно отстраненно, видеть великий XVIII век умели только они.
Лансере сам высоко ценил это найденное здесь настроение, и впоследствии неоднократно возвращался к теме Елизаветинского барокко.
03.10.2026 в 18:54
#КНИГИСКАРТИНКАМИОПХ Роман Андрея Белого «Серебряный голубь» (впервые опубликован в журнале «Весы» в 1909 году, отдельным изданием вышел в 1910 году в легендарном издательстве «Скорпион»). Выход этой книги стал значимым событием в истории русской книжной графики Серебряного века. Сегодня вспомним как сам роман, так и автора обложки и виньеток.
В центре повествования романа молодой поэт-модернист Петр Дарьяльский, образованный дворянин, уставший от от рафинированной, но «мертвой» культуры и переживающий духовный кризис (видимо, вечный, архетипический мотив). Живую народную душу Дарьяльский чает найти в провинции (искать себя — также вполне архетипический мотив, прямо вытекающий из предыдущего). Но пасторальная идиллия оборачивается драмой: Дарьяльский попадает под влияние мистической секты «голубей» (хлыстовского толка), которой руководит зловещий деревенский плотник Кудеяров. Дарьяльский оказывается погруженным в сумеречный мир тёмных верований и духовного дурмана и за попытку к бегству расплачивается жизнью (надо ли упоминать про архетипичность и этого мотива?).
Оформил издание Пётр Саввич Уткин (1877 — 1934) — русский живописец, представитель символизма, педагог и один из ключевых участников знаменитого объединения «Голубая роза». Голуборозовцы стремились к изображению скрытой сущности вещей, видений и мистических предчувствий. Сюжет Белого, где реальная русская деревня Целебеево мыслилась как метафизическое пространство как нельзя лучше подходил для визуализаций в духе символизма. Манера Уткина стала здесь графическим эквивалентом ритмизованной прозы Белого.
02.10.2026 в 21:32
#ХУДОЖНИКИСЦЕНЫОПХ Борис Михайлович Кустодиев, сценография спектакля по пьесе «Блоха» Е. И. Замятина (по рассказу «Левша» Н. С. Лескова)
Кому как не Кустодиеву было подковать театральную «Блоху»? Спектакль с таким названием, комедия-буффонада Евгения Замятина по сказу Николая Лескова «Левша», показал его как яркого и самобытного театрального художника. Премьера состоялась в феврале 1925 года во МХАТе, режиссером постановки стал А. Дикий. Спектакль должен был «оппонировать» шедшему параллельно «Гамлету» с Михаилом Чеховым, не просто раскрывая другие смыслы, а демонстрируя другой театр, другой способ существования актера. Этот самый способ существования, с высоким градусом условности, был во многом продиктован сценографическим решением Кустодиева: герои на сцене подражали балаганным персонажам. Декорации менялись на глазах у зрителей, раскрываясь как ширмы или крышки расписной шкатулки. Показанная в пьесе Россия (Тула и Петербург) была решена в духе народного лубка. Англию же художник изобразил подчеркнуто механической и брутальной.
Чуть позже пьеса была показана и в Ленинграде, в БДТ. Режиссер ленинградской постановки Н. Монахов отзывался о работе с Кустодиевым так: «Общение с Б. М. Кустодиевым, человеком необычайного юмора и жизнерадостности, доставило мне много прекрасных творческих минут. Я совершенно незаметно для себя проводил с Борисом Михайловичем целые часы в разговорах о том, как должен выглядеть тот или иной персонаж, тот или иной костюм, та или иная сцена. При каждой встрече мы все меняли, пока наконец не пришли к последней редакции спектакля. Постановочный план «Блохи» был мне подсказан Б. М. Кустодиевым».
Пьеса Замятина «Блоха» (1925) ‒ театральная переработка сказа Н. С. Лескова «Левша» ‒ рассказывает о том, как тульские мастера посрамили англичан, подковав крошечную механическую блоху. Дружба художника с Замятиным и понимание природы его юмора помогли мастеру создать по-настоящему буффонное зрелище.
30.09.2026 в 20:29
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов «Лунная ночь. Открытое окно», х.м., 1892
Поистине, XIX век изобрел лунный свет, вернее, живописцы XIX века. Романтизм, реализм, символизм — все они были (и есть) вечны именно под Луной.
Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов (1870–1905) — выдающийся отечественный живописец и ключевой мастер русского символизма. Выпускник Московского училища живописи, ваяния и зодчества, он также занимался в петербургской Академии художеств у Павла Чистякова. Неоценимый вклад в становление художника внесла и трехлетняя поездка в Париж (1895–1899), где он продолжил образование в мастерской Фернана Кормона, открывая для себя французские импрессионизм и символизм.
Борисов-Мусатов создал свой, неповторимый элегический мир, его творчество оказало огромное влияние на мастеров объединения «Голубая роза». Большинство своих знаковых работ он создал на рубеже веков, вдохновляясь атмосферой старинного имения князей Голицыных-Прозоровских — усадьбы Зубриловки в Саратовской губернии.
Но то было чуть позже, а сегодня мы любуемся его картиной из ранних, написанной в начале обучения живописца в мастерской Павла Чистякова. Для Борисова-Мусатова это стало временем поисков своего живописного языка, образной системы и, главное, своих настроений. Уже здесь определилась тяга художника к передаче неуловимых душевных состояний и мистической тишины, которые потом станут визитной карточкой его зрелого стиля.
29.09.2026 в 18:11
Запускаем аукционы отечественной графики и живописи на площадке "Meshok" - https://meshok.net/live/auction/81!
Уважаемые коллекционеры!
Мы впервые проводим онлайн-аукцион на этой площадке, первая часть торгов уже сегодня, 29 сентября, в 19:00, и она полностью посвящена отечественной графике. Среди представленных художников: Андреева Н.И., Брехов Ю.Н., Вальцефер Ю.В., Васильев Ю.А., Гончаров С.А., Давыдова О.А., Каменская Е.Н., Сергеева Л.А., Соловьёва-Домашенко Т.В. и другие.
Это отличная возможность:
• Пополнить коллекцию качественными литографиями и станковой графикой.
• Приобрести уникальные работы.
• Все работы проверены, состояние соответствует фотографиям.
Не упустите шанс приобрести шедевры по стартовой цене!
❗РАСПИСАНИЕ ТОРГОВ:
https://meshok.net/live/auction/82
(Графика, начало торгов 30/09 в 19:00)
https://meshok.net/live/auction/83
(Графика, живопись, начало торгов 3/10 в 12:00)
https://meshok.net/live/auction/84
(Живопись, начало торгов 4/10 в 12:00)
27.09.2026 в 20:49
Читая отзывы, приходим к выводу, что наша "Безбашенная выставка" в итоге получилась по-настоящему "башенной"! Потому что тут было все: и живопись, и литература, и обсуждения, и прогулки, и вдохновенье. Благодаря нашим замечательным авторам-художникам и вам, нашим зрителям, слушателям концертов и посетителям экскурсий. Спасибо! Ждем вас на следующей выставке, скоро расскажем, о чем она!
26.09.2026 в 17:09
#ПОВЕСТЬНАХОЛСТЕОПХ Михаил Михайлович Божий «Керн и Пушкин», х.м., 1975-1977
«На одном из вечеров у Олениных я встретила Пушкина и не заметила его: мое внимание было поглощено шарадами, которые тогда разыгрывались и в которых участвовали Крылов, Плещеев и другие… В чаду такого очарования мудрено было видеть кого бы то ни было, кроме виновника поэтического наслаждения, и вот почему я не заметила Пушкина. Но он вскоре дал себя заметить», — писала в своих мемуарах вошедшая в историю культуры как муза и вдохновительница великого поэта Анна Петровна Керн (1800 — 1879). Это была их первая встреча в 1819-м в Петербурге, следующая произошла в 1825-м, когда Керн гостила у своей тётки П. Осиповой (соседки Пушкина) в Тригорском. Именно тогда поэт написал одно из своих самых известных стихотворений, автограф которого он подарил Анне Петровне перед её отъездом в Ригу в июле того же года. А вдогонку за ней уже летело письмо: «Ваш приезд в Тригорское оставил во мне впечатление более глубокое и мучительное, чем то, которое некогда произвела на меня встреча наша у Олениных. Лучшее, что я могу сделать в моей печальной деревенской глуши, это стараться не думать больше о вас. Если бы в душе вашей была хоть капля жалости ко мне, вы тоже должны были бы пожелать мне этого, но ветреность всегда жестока, и все вы, кружа головы направо и налево, радуетесь, видя, что есть душа, страждущая в вашу честь и славу. Прощайте, божественная; я бешусь, и я у ваших ног».
Картина советского живописца Михаила Михайловича Божия (1911—1990) относится к позднему периоду творчества мастера, где он, уже признанный портретист, показывает нам один моментов встречи в Тригорском. И это тоже чудное —живописное —мгновенье, в котором окружающий парк как бы растворяется, и остаются только они вдвоем - Поэт и Муза.
К***.
Я помню чудное мгновенье:
Передо мной явилась ты,
Как мимолетное виденье,
Как гений чистой красоты.
В томленьях грусти безнадежной,
В тревогах шумной суеты,
Звучал мне долго голос нежный,
И снились милые черты.
Шли годы. Бурь порыв мятежный
Рассеял прежние мечты.
И я забыл твой голос нежный,
Твои небесные черты.
В глуши, во мраке заточенья
Тянулись тихо дни мои
Без божества, без вдохновенья,
Без слез, без жизни, без любви.
Душе настало пробужденье:
И вот опять явилась ты,
Как мимолетное виденье,
Как гений чистой красоты.
И сердце бьется в упоенье,
И для него воскресли вновь
И божество и вдохновенье,
И жизнь, и слезы, и любовь.
1825
25.09.2026 в 19:07
Через отзывы мы лучше узнаем не только наших зрителей, мы по-новому смотрим на уже знакомые образы и смыслы. И хотя мы уже вовсю работаем над новым проектом, до 29 сентября ждем вас на "Безбашенной выставке", которая всем так полюбилась, что будет жалко с ней расставаться. Поистине прав был А. Бенуа, когда сказал: «Меня пленяет не столько сама новизна, сколько способность видеть сквозь время и соединять эпохи: прошлое не мертво, оно может дышать в новой форме»
24.09.2026 в 20:38
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫОПХ Исаак Израилевич Бродский «Опавшие листья», х.м., 1915-1929
Осенний элегический мотив, в котором сразу слышен скрип досок старой веранды, сразу заставляет блаженно жмуриться последнее тепло и прозрачный свет уже оголившегося парка. У картины указана не одна дата создания: работа была отложена в 1915 году, чтобы оказаться законченной совсем в другую эпоху, четырнадцать лет спустя.
Исаак Израилевич Бродский (1884–1939) — выдающийся русский и советский живописец и график, окончил Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, был любимым учеником Ильи Репина. С 1934 года он сам возглавил Всероссийскую Академию художеств и возродил классические традиции академического рисунка в художественном образовании. Именно Бродский задал главный иконографический стандарт изображения В. И. Ленина в советском искусстве, не монументализируя вождя, оставляя его понятным каждому, земным человеком. Оно было в природе дара этого художника – сделать понятным, живым, настоящим изображаемого человека, предмет, место.
В «Опавших листьях» осталась вся поэзия и непосредственность его ранней живописи, но ощущается уже и некая умудренность жизнью. Впрочем, возможно эту умудренность сообщает картине сама фабула, всегда кажется, что говоря и показывая осень, человек подводит какие-то, пусть и промежуточные, итоги.
А какая у вас самая "осенняя" картина?
Пять мест Петербурга для осенней медитации: Елагин остров, Ботанический сад, Дацан, Таврический сад и берег Финского залива
Хотите перезагрузиться за выходные: сохраните эти пять мест Ленобласти
Эти выходные удивят: ТОП-5 событий Петербурга, которые нельзя пропустить
Куда сходить с ребёнком 7–8 лет: 10 меств Петербурге, где будет интересно и детям, и взрослым
Золотая осень в самом разгаре: 5 парков, где получаются особенно красивые фотографии
Маргарита Дьяченкова — о мистике, любви в «Нерожденной» и Петербурге, который её завораживает
Лучшее за неделю
