Отзывы о Галерея Фонда Императорское Общество Поощрения Художеств
Отзывы посетителей о Галерее Фонда Императорское Общество Поощрения Художеств
0
0
0
0
Оставить отзыв
|
|
Комментарии посетителей
Новости официального сайта и группы ВКонтакте
Общество Поощрения Художеств. Галерея
вчера в 17:39
#КНИГИСКАРТИНКАМИ «Виды окрестностей Санкт-Петербурга», СПб, 1761
Не так уж и покривим душой, если скажем, что Петербург «воспитал» своим устройством и настроением сам жанр городского пейзажа в России. Все в этом городе располагало и вдохновляло его изображать: водные просторы, устройство улиц и графичная «умышленная» регулярность. Пригороды обживались по тем же канонам и также заслуживали достойного отображения. В ноябре 1761 в "Санкт-Петербургских ведомостях" появилось следующее объявление: "В Академической книжной лавке продаются нововырезанные проспекты Петергофа, Сарского села и Ораниэнбома на осьми листах, все вместе по три рубли, а в рознь двойные... по одному рублю, одинакие ж Зверинца и Эрмитажа по пятьдесят копеек". Ныне эти листы известны нам как альбом «Виды окрестностей Санкт-Петербурга», гравюры которого выполнены по рисункам М.И. Махаева несколькими учениками Гравировальной палаты Академии наук.
Автор рисунков, Михаил Иванович Махаев (ок. 1717—1770) — русский художник, рисовальщик и гравер, вошедший в историю как один из основоположников и крупнейших мастеров ведуты (жанра городского пейзажа) в России. Руководитель ландкартной и словорезной мастерской Академии наук, он имел звание «в перспективе мастер». Для работы с перспективой художник освоил камеру-обскура, позволяющую точно фиксировать пропорции строений и улиц с натуры. Его рисунки в наше время стали не только предметом любования, но и историко-архитектурным документом, по которому современные реставраторы восстанавливают памятники зодчества. Благодаря Махаеву мы знаем как выглядела Северная столица в эпоху Елизаветы Петровны и Екатерины II.
Ну а место, изображенное на этом листе из альбома, думается, вы легко узнаете, оно и в наше время выглядит так же торжественно.
25.06.2026 в 09:46
https://www.rtr.spb.ru/Radio_ru/First_Person/news_detail_v.asp?id=53910
На Радио России в программе «Петербургский автограф» состоялся большой разговор о нашей «Безбашенной выставке». Ведущая Ольга Смирнова беседует с художниками Беллой Матвеевой, Анастасией Нелюбиной, Фёдором Олевским, а также с автором проекта и директором Общества поощрения художеств Людмилой Ермолиной. Говорят о Серебряном веке, о том, как его идеи продолжают влиять на современных художников, и почему спустя столетие мы снова обращаемся к этому времени.
Спасибо ведущей и всей команде Радио России за внимание к проекту!
22.06.2026 в 08:14
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ Дмитрий Дмитриевич Жилинский «У моря. Семья», х.м., 1964
Дмитрий Дмитриевич Жилинский (1927 — 2015) — советский, российский живописец, график, педагог, одна из ключевых фигур отечественного искусства второй половины XX века. Для него характерно было трактовать даже простые житейские сюжеты символически, и он довольно быстро нашел отвечающую этим задачам неповторимую манеру с особым набором композиционных приемов и работой с цветом.
В этой картине сразу ощущается дух и спокойная гармония Реннессанса, и это неслучайно, ведь она была написана Жилинским после поездки в Италию. В основу сюжета легли свежие впечатления от летнего отдыха, изображенная здесь семья – это семья автора. «В таких работах, например, как “У моря” или “Гимнасты СССР”, мне хотелось показать не данный момент, а сущность изображаемого, его цвет, существующий независимо от состояния и освещения», — говорил автор. На самом деле это стремление показать сущность применимо ко всему его творчеству. «Семья у моря» стала первой картиной, написанной темперой, а не масляными красками. Темпера была тем материалом, который еще со времен древнерусской иконописи также отвечал за передачу самой сущности вещей. Самые известные нам работы Жилинского выполнены именно ею. Сначала он использовал готовую темперу, затем стал добавлять желтковую эмульсию, и цвет стал активнее, ярче, а сама поверхность прочнее. Техника, вкупе с филигранно выверенной композицией, делают его работы монументальными независимо от размера.
21.06.2026 в 22:00
21 июня в России отмечается День народных художественных промыслов. Как вы помните, тема эта нам особенно дорога и близка. Зрителям очень полюбились показанные у нас на Шпалерной, 35 коллекция матрешек Яны Козловой и коллекция народной игрушки Александра Бианки, а также предметы быта (подносы, шкатулки, мебель), расписанные выпускниками Высшей школы народных искусств. В качестве открытки к этому посту прикрепляем экспонат как раз этой выставки, холуйскую лаковую миниатюру, которая называется «Художественные промыслы московской области». Здесь есть что порассматривать!
С праздником, дорогие друзья!
20.06.2026 в 09:09
#ГДЕЭТО? ОТВЕТ: Воскресенская церковь (набережная Обводного канала, 116).
Бесстолпный храм с большим световым барабаном и сферическим куполом в неорусском стиле с шатровой колокольней рядом. Храм построен в 1904—1908 гг по проекту архитекторов Г. Д. Гримма, Г. фон Голи, А. Л. Гуна, с 1914-го он принадлежал Александро-Невскому братству трезвости. И на минутку заглянем внутрь, интересный факт: интерьеры расписаны в 1914—1916 гг. художником В. Т. Перминовым (масляная роспись) по картонам мозаик храма "Спаса на крови".
Напоминаем, активные участники рубрики получают в подарок билет в галерею 😊 для этого нужно будет на входе сообщить свои имя и фамилию.
18.06.2026 в 17:35
#ОБРАЗТРУДА Пётр Павлович Оссовский "Рыбаки Псковского озера", х.м., 1972
Пётр Павлович Оссовский (1925 — 2015), живописец, один из создателей «сурового стиля», выпускник Государственного художественного института имени В. И. Сурикова (1950, мастерская С. В. Герасимова), член Союза художников СССР (1956), академик РАХ (1995), работы его находятся в крупнейших отечественных музеях. Сам он определил направление своего творчества так — «Земля и люди, на ней живущие». Будучи еще совсем начинающим мастером, он отправлялся за новыми живописными впечатлениями в разные районы Подмосковья. С середины 1960-х художник жил и работал в Псковской области, которая стала для него второй родиной. Псков, Изборск, Пушкинские горы, Талабские острова — здесь он искал свои сюжеты и своих героев. Для лучшего погружения в тему он предпочитал работать большими сериями и циклами. Один такой цикл был закончен к середине 1970-х годов, «Рыбаки Псковского озера» стали главной его картиной. Строгая ограниченная палитра роднит материалы, из которых сделан этот мир: и продубленные водой лодки, и закаленные ветром лица рыбаков. Несмотря на «суровый стиль», характеры мужчин индивидуальны, их прототипы — конкретные люди, с которыми автор познакомился на одном из островов во время ловли снетка. Художник писал: «Картина по моему замыслу должна иметь другой подтекст, кроме портретного изображения. Когда подъезжаешь к острову, то рыбаки, попыхивая папиросками, встречают незнакомцев внимательными и строгими глазами… Меня интересовала не бытовая сцена, виденная в жизни, а задача изобразить плотную стену стоящих парней, за спинами которых их дома, старики, жены, дети, и, наконец, родная земля – Россия».
17.06.2026 в 17:22
#ГДЕЭТО? Сегодня предлагаем узнать место, изображенное на офорте А.Д. Рейпольского 1990-х гг, а именно храм, сочетающий черты модерна и неорусского стиля, возведенный в самом начале XX века.
Автор офорта, график и живописец, выпускник ЛИЖСА им. И.Е. Репина (мастерская М. А. Таранова) известен нам прежде всего своей книжной графикой (например, «Золушка» с его иллюстрациями стала визитной карточкой художника и многократно переиздавалась). Но образ родного Петербурга также занимает важное место в его творчестве.
Итак, оставляйте ваши варианты в комментариях, напоминаем, что активным участникам рубрики мы дарим билет в галерею 😊
15.06.2026 в 17:39
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ Архип Иванович Куинджи "Радуга", х.м., 1905
Сегодня любуемся светоносным пейзажем одного из главных русских художников-пантеистов.
В самом начале 1880-х художник, находясь в зените славы, устраивал персональные выставки, имевшие оглушительный успех. Но после 1882-го он решил стать затворником в своей мастерской, посчитав, что его вдохновение исчерпало себя. Но, отказавшись от публичного показа своих работ, он не отказался от занятий живописью, и за время этого уединения им было создано 500 живописных и 300 графических произведений. Это была работа и со старыми мотивами, и с новыми сюжетами, «Радуга» же стала вариацией полотна «После дождя».
Сам образ радуги занимал большое место в софиологии —религиозно-философском учении о Софии Премудрости Божией, которое развивалось в XIX–XX веках в России. Софиологи считали радугу символом всеединства, своеобразным мостом между землей и небом. Полотно Куинджи становится ярчайшим выражением этой мысли. К этому художнику вообще как-то особенно применимо словосочетание «в своей стихии»: тут и стихия света, и стихия масляной живописи, широкой и щедрой, и природные стихии и состояния, которые холст едва вмещает, всегда как бы рассчитанные на простор. Как отмечал И. Е. Репин, для Куинджи «свет — очарование, и сила света, его иллюзия были его целью». Но в этом месте так и хочется поправить классика: целью было создание не иллюзии, а самого света.
14.06.2026 в 18:43
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ
Станислав Хлебовский «Ассамблея при Петре I», х.м., 1858
Указ об ассамблеях и увеселительных вечерах Петр I издал в 1718 году. И хотя еще непривычные к такому времяпрепровождению дамы и господа были подчас неловки в роли увеселяющихся, ассамблеи стали прообразом будущих великосветских балов, которыми русский императорский двор впоследствии славился на всю Европу. Проходили эти мероприятия по очереди в домах знати и были достаточно демократичны. Посещать их теоретически мог любой, кроме крестьян и городской бедноты. Они были задуманы императором в том числе как место для делового общения и налаживания связей, но обязательно включали танцы и различные игры.
Хотя император прилагал значительные усилия к развитию светской живописи, художники, творившие в рамках барочных традиций, ещё не были способны реалистично запечатлеть жизнь двора. Тем ценнее сейчас визуальные опыты мастеров более позднего времени. На этой картине изображен эпизод, когда внимание присутствующих на вечере привлечено только что вошедшим гостем, длиннобородым, одетым в старый боярский костюм. «Оппозиционер» отказывается от подносимого ему (в качестве штрафа за опоздание) кубка с вином, и это не ускользает от внимания сидящего за столом Петра. Справа изображена императрица Екатерина с дочерью.
Автор картины, польский живописец Станислав Хлебовский (1835 – 1884) учился в ИАХ (1853–1859), где получил большую серебряную медаль (1857) и большую золотую медаль (1859) за картину «Императрица Екатерина II принимает запорожских депутатов». Его работа «Ассамблея при Петре I» также не осталась без награды, она была отмечена малой золотой медалью (1858) Академии.
Было бы интересно узнать мнение знатоков и внимательных зрителей. Как считаете, все детали – убранство, одежда – здесь написаны в соответствии с изображаемой эпохой?
09.06.2026 в 17:51
#АРТШАРАДА
На этот раз разгадывать ничего не предлагаем (но при желании можно), а просто показываем.
Борис Владимирович Эндер (1893 — 1960) — русский художник, представитель авангардизма, один из пионеров биоморфной абстракции. В 1905–1907 годах начинающий художник брал частные уроки рисования у И.Я. Билибина, в 1911 году много общался с М.В. Матюшиным и Е.Г. Гуро. В то время Матюшин развивал идею «расширенного смотрения», возникшую под влиянием теории «четвёртого измерения» математика-теософа П. Д. Успенского, в живописи. К 1923 году у Матюшина его искания вылились в организацию группы «Зорвед» (от «взор» и «ведать»), участником которой стал и Эндер. В том же 1923-м Эндер создал «Таблицу синтеза формы, звука и цвета» на примере 20 согласных букв алфавита, превращенных в самостоятельные визуальные образы. Задачей было не "изобрести" письменность, а показать язык как художественную систему, в которой знак становился произведением искусства. Геометрические формы диктовали ритм, а цвет предполагался усилителем звука, т.е. по всем правилам синестезии зритель должен был «слышать» букву через ее построение. Будучи вербализованным, концепт звучит, пожалуй, сложновато, но на уровне ощущений подобные вещи всем нам понятны. Такого рода построения были в целом характерны для искусства XX века, и способствовали прогрессу не только самого искусства, но и целого ряда смежных областей – психологии, физиологии восприятия и т.д. Несмотря на то, что эта работа художника осталась незаконченной, она очень помогла его последующим проектам, о которых мы расскажем в следующий раз.
07.06.2026 в 19:06
#ПОВЕСТЬНАХОЛСТЕ
Виктор Михайлович Васнецов «Ковер-самолет», х.м., кон. 1870-х
Картина эта входит в цикл «Поэма семи сказок», единственный цикл в творчестве художника. Поистине, скоро сказка сказывается, да не скоро дело делается: работа над этими картинами растянулась на многие годы. Задуманы они были в 1870–1890-х, в 1901 году, приготовив серию акварельных эскизов, автор решил объединить их общей темой. В течение двух десятков лет Васнецов писал свои сказки, называя их «старыми картинами».
В основу сюжета «Ковра-самолета» лег вариант народной сказки «Царевна-лягушка», бытовавший в Шадринском уезде. После сожжения нетерпеливым Иваном-царевичем лягушачьей шкурки Елена Прекрасная обернулась белой лебедью и улетела в царство Бабы-Яги. Там Иван-царевич ее нашел, и они отправились домой на ковре-самолете, взятом у Бабы-Яги. Сами обстоятельства и, так сказать, реквизит сказки предлагают образное решение, позволяющее показать любовь как нечто, позволяющее воспарить над землей. Удивительно, но автору удалось в этом идиллическом пасторальном сюжете сохранить и ощущение дыхания русского леса, окутанного дымчатым розовеющим закатом. Возможно, тут сказался и долгий опыт обращения со сказками, ведь Васнецов время от времени сам придумывал фантастические истории. Так в 1914-м им была опубликована философская сказка «Подводная быль», прототипами героев для которой стали пятеро его детей.
07.06.2026 в 09:03
#СОЛНЦЕВЖИВОПИСИ
Коровин Константин Алексеевич «Гурзуф», х.м., 1914 и «В саду. Гурзуф» х.м., 1914
Про этого художника точно можно сказать «он понял масла густоту, его запекшееся лето». Ученик Поленова и Саврасова, наследник реалистической традиции, он сразу нашел свой авторский почерк, став самым заметным русским импрессионистом. Сам Коровин формулировал свое кредо в станковой живописи так: «Красота и радость жизни. Передача этой радости и есть суть картины, куски моего холста, моего я».
Художник любил Крым за его нарядное многоцветное лето, за возможность снова и снова «проживать» в живописи сочность цвета и темпераментный мазок, и на протяжении нескольких лет Крым был местом не только отдыха, но и вдохновения. В 1910 году была куплена земля в Гурзуфе и 14-ти комнатный дом из белого камня, который вскоре стал известен как «вилла Саламбо». Дом был назван в честь балетной постановки А.Ф. Арендса, оформленной Коровиным чуть ранее и прогремевшей на сцене Большого театра. Здесь у Коровина гостили многие его близкие друзья, особенно часто бывали Ф. Шаляпин и С. Рахманинов. И если картина «Гурзуф» показывает нам вид города и задает настроение южной неги, то «В саду. Гурзуф» – как раз свидетельство дружеских встреч и интересных бесед на вилле художника.
04.06.2026 в 17:27
#ПАЛИТРАПУТЕШЕСТВИЙ
Василий Максимович Максимов «Сад при доме Третьяковых», х.м., 1877
Сегодня отправимся в старое доброе Замоскворечье, ни много, ни мало, в гости к самому П.М. Третьякову. Заложив основу коллекции национальной живописи в 1856 году (именно тогда были приобретены первые две картины русских художников — «Стычка с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова и «Искушение» Н.Г. Шильдера), П.М. Третьяков за 15 лет собирательской практики пришел к решению об устройстве специального помещения для галереи. Возвести пристройку к основному зданию взялся архитектор А.С. Каминский. О подготовке к строительству читаем в воспоминаниях старшей дочери коллекционера В.П. Зилоти: «К весне из окон столовой мы все чаще и чаще видели, как Александр Степанович с Павлом Михайловичем ходили по саду параллельно церковной ограде, от угла столовой до Толмачевского переулка, со складными саженями. Видно было, что обсуждали, спорили: Александр Степанович размахивал руками, Павел Михайлович то и дело тер платком нос. Когда стало теплеть — появились рабочие, начали копать канавку от угла столовой по направлению к Толмачевскому переулку. <…> В угол канавки положили кирпич, покропили его святою водою и втолкнули длинный деревянный шест с крестом. Так заложили галерею…». В 1874-м здание было готово, но для этого пришлось пожертвовать частью сада, где ранее стояла купа прекрасных грушевых деревьев.
Однако кое-что сохранилось, и этот уголок сада мы видим на картине друга семьи Третьяковых В.М. Максимова. Художник, известный нам прежде всего жанровой живописью, обращался к пейзажу нечасто. Эта работа, выполненная живописцем в 1877 году в саду около дома Третьяковых в Толмачах, была подарена жене Павла Михайловича – Вере Николаевне. На этюде есть приписка мастера: «Только ради сюжета позволяю себе оставить Вам, добрая Вера Никол<аевна> и в ожидании лучшего. От преданного В. Максимова 1887. 1 июня 8». Автором, с присущей его кисти вниманием к деталям, выписан каждый листок и травинка, и показана вся яркая праздничность летнего полудня.
Когда Третьяков передал все свое собрание картин в дар Москве в 1892 году, Максимов ему писал: «Многоуважаемый Павел Михайлович! Нам, русским, можно гордиться, что еще ни в одной земле не было такого беспримерного по бескорыстной любви к просвещению человека, как Вы, наш художественный подвижник. Отныне не рассосется собранная Вами галерея, но сохранится навсегда в целости этот исторический памятник творчества многих поколений русских художников, собранный с многосторонним знанием жизни, доступным редким людям».
Вот так в одном месте собрались и цветение сияющих яблонь, и процветание русской живописи.
31.05.2026 в 18:03
Галерея ждет вас на «БЕЗБАШЕННОЙ ВЫСТАВКЕ»! Современные метаморфозы Серебряного века предстанут перед вами во всей красе, а о глубинных связях мы будем рассказывать здесь, а также на грядущих экскурсиях и арт-медиациях. Эрос, телесность, божественное в плотском, новое прочтение греческой архаики и карт Таро — таков наш новый смелый визуальный замес.
Пока же предлагаем к просмотру с открытия выставки, где пресса знакомилась в нашими замечательными авторами Беллой Матвеевой, Анастасией Нелюбиной, Федором Олевским и их произведениями.
Следите за нашими соцсетями, художники будут рассказывать об источниках вдохновения и особенностях образности, а мы будем раскрывать сюжеты картин и приглашать на арт-медиации. Оставайтесь с нами!
27.05.2026 в 17:14
Дорогие петербуржцы! С праздником! С Днём нашего любимого города – самого красивого и немного мистического места на земле.
Петербург вдохновляет, сводит с ума, заставляет спорить о смыслах и смотреть на небо сквозь дворы-колодцы. Мы его обожаем таким – с разводами мостов, белыми ночами и вечным чувством, что здесь прошлое всегда рядом.
В честь праздника мы приготовили особенный подарок для всех, кто чувствует душу Петербурга. Уже в эту пятницу, 29 мая, стартует наш новый проект: «БЕЗБАШЕННАЯ ВЫСТАВКА. Современные метаморфозы Серебряного века». Идут последние приготовления!
С днём рождения, родной город! Оставайся столь же неукротимым и чуть безбашенным. А наша выставка – отражение твоего неповторимого характера!
Анастасия Нелюбина «Красный шут» по мотивам романа Андрея Белого «Петербург», бумага, смешанная техника, 2026
26.05.2026 в 18:40
«БЕЗБАШЕННАЯ ВЫСТАВКА. Современные метаморфозы Серебряного века»! Дорогие друзья, 29 мая у нас в галерее начинает работу НОВАЯ ВЫСТАВКА! В этом году мы отмечаем 160 лет со дня рождения поэта-символиста Вячеслава Иванова и 120 лет со дня появления его легендарной «Башни» — квартиры № 24 в доходном доме купца И.И. Дернова на углу Таврической и Тверской улиц. Она стала настоящим «штабом» русского символизма, здесь бывали поэты и писатели А. Белый, Д. Мережковский, З. Гиппиус, В. Брюсов, Н. Гумилёв, М. Кузмин, Ф. Сологуб, В. Хлебников, Н. Бердяев, художники К. Сомов, Л. Бакст, М. Добужинский, режиссёр В. Мейерхольд и др. «Ивановские среды» стали центром культурной жизни Серебряного века. Считается, что именно в «Башне» А. Блок впервые прочитал свою «Незнакомку», а совсем юная А. Ахматова дебютировала как поэтесса. «Мы не стремимся к музейной реконструкции. Наша задача — вспомнить о Серебряном веке, погрузиться в живой дух бунтарей, дать его почувствовать: опьянение свободой, интеллектуальную игру, неукротимую жажду творчества», — говорит директор «Общества поощрения художеств» Людмила Ермолина.
Этот синтез — живописи и литературы, мифа и реальности, поэтизации тела и театрализации быта — сегодня возрождают три петербургских художника, ставшие героями выставки: Белла Матвеева, Анастасия Нелюбина и Фёдор Олевский. Творчество трёх авторов раскрывает три архетипа Серебряного века.
Почему выставка «безбашенная» вы увидите сами, когда придете – много смелой живописи и графики! А еще наша выставка в том числе и «башенная»: и картина «Башня» в экспозиции имеется, и легендарная Башня совсем недалеко от нас, и, более того, мы организуем экскурсии в мастерскую Беллы Матвеевой — то есть в ту самую квартиру на Таврической, 35, где сто лет назад кипели нешуточные страсти.
Но сначала все дороги ведут на Шпалерную, 35! Ждем вас, друзья!
25.05.2026 в 19:50
#ПОВЕСТЬНАХОЛСТЕ
Лев Самойлович Бакст "Нос в Гостином дворе", акварель, гуашь, 1904
«Ненавижу Достоевского и Льва Толстого; люблю Гоголя, Пушкина, А. Толстого, Лермонтова…», – пишет Бакст своей невесте Л. П. Гриценко (дочери основателя Третьяковской галереи) в 1903 году. Его легкая, изобретательная кисть не склонна к психологизму и реализму, она ищет фантасмагорий и буффонад. К этому же времени относятся рисунки к «Носу» Н.В. Гоголя по заказу издателя П.П. Кончаловского (старшего), отца известного художника. Бакст воссоздает атмосферу и круговерть Гостиного двора на Невском проспекте в оформлении балета «Фея кукол» (1903) и в сюжете и композиции этого рисунка.
Здесь мы видим, как обретший самодостаточность Нос уверенно гуляет под сводами галереи Гостиного, а растерянный коллежский асессор Ковалёв, лишившийся столь важного «аксессуара», в ужасе мечется, ощущая свою ущербность. Работа Бакста целиком соответствует не только духу, но и букве Гоголя: «Он был в мундире, шитом золотом, с большим стоячим воротником; на нем были замшевые панталоны; при боку шпага. По шляпе с плюмажем можно было заключить, что он считается в ранге статского советника».
23.05.2026 в 19:12
#ПОВЕСТЬНАХОЛСТЕ
Василий Семёнович Садовников «Памятник И.А. Крылову в Летнем саду», акварель, 1855
Несмотря на то, что памятник и его сюжет всем известны, нельзя удержаться, чтобы о нем сегодня не рассказать, так обаятельна эта почти рокайльная акварель В. С. Садовникова. О самом художнике мы уже сообщали в рубрике #ГАЛЕРЕЯВНЕСЕБЯ, в связи с его самой знаменитой работой «Панорама Невского проспекта». Сегодня познакомимся ближе с его лирическим пейзажем.
Летний сад был местом прогулок И. А. Крылова, он часто проводил здесь время, отдыхая и наблюдая за жизнью. Идея установить в Летнем памятник баснописцу принадлежала генерал-майору Я.И. Ростовцеву, другу последних лет Крылова и его душеприказчику. Академия художеств объявила конкурс на лучший проект, участие в котором приняли ведущие скульпторы своего времени: А. И. Теребенев, Н. С. Пименов, И. П. Витали, П. К. Клодт, П. А. Ставассер. Победил проект П. К. Клодта; первоначальный эскиз отсылал к античности, но в итоге был выбран другой вариант, где образ строился с опорой на реализм и психологизм. Однако и род литературы, и сама (почти мифологическая) фигура Крылова требовали все-таки некоей «сказочности», и постамент памятника украсился героями басен, были отражены сюжеты 22 произведений и показаны 36 персонажей. Проект постамента и рисунки композиций для барельефов выполнил художник А. А. Агин. Весной 1854 года литейная мастерская Академии художеств завершила отливку памятника и чеканку барельефов (на это с Монетного двора было отпущено 500 пудов меди).
В 1855 году на народные деньги в Летнем саду установили памятник И. А. Крылову. Акварель Садовникова создана в том же году.
22.05.2026 в 08:51
У нас появился свой канал в мессенджере Макс, там мы тоже знакомимся с искусством, делимся впечатлениями и мнениями.
📲 Как подписаться?
Просто переходите по ссылке:
👉 https://max.ru/join/6-XAZNM9iTxGo86iISX9AVEYZjsJHdARufjzRLXg9DE
Если приложение Макс уже установлено, канал откроется автоматически. Не упустите новости, анонсы и живое общение — будем на связи там, где вам комфортно.
17.05.2026 в 19:22
Все цветет, и наши #ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ цветут! Кузьма Сергеевич Петров-Водкин "Черёмуха в стакане", х.м., 1932
Весной острее всего ощущается желание длить и длить наше земное пребывание, и легче всего в такую возможность верится. А.П. Чехов, наблюдая весеннее цветение и птичий переполох, сказал однажды: «Так хочется, чтобы и на том свете существовал рай», наделяя этот рай чертами земной весны.
К.С. Петров-Водкин в 1928 году заболел туберкулезом, болезнь прогрессировала несмотря на усилия медиков. Художник, ввиду физической слабости, на время оставил живопись и занялся написанием автобиографических заметок. Почувствовав облегчение, он вернулся к живописи и уже не расставался с кистью до конца своих дней. Именно в эти годы Петров-Водкин пишет картины, особенно наполненные радостью жизни и любованием самыми простыми вещами. Сам художник говорил об искусстве натюрморта так: «Закон тяготения из абстрактного, только познавательного становится ощутимым, в масштабе близком, простом для всякого восприятия: колебания встречных, пересекающихся, сходящихся и расходящихся осей предметов, как в увеличительном стекле, проделывают пред вами законы движения, сцепления и отталкиваний.»
«Черёмуха в стакане» была написана в Детском селе под Ленинградом в мае-июне 1932-го. Она была закончена перед поездкой на родину, в Хвалынск, и потому здесь характерный для автора взгляд на вещи как бы сверху приобретает еще одно значение – отрыва от земли, предвкушения дальней дороги. Ведь весной внутри у человека почти всегда вдруг возьмет да и встрепенется то древнее стремление, которое зовет вдаль перелетных птиц. Простые, уже не раз «проверенные» мастером в натюрморте вещи: стакан, спичечный короб, чернильница, блюдце в соседстве в живой цветущей веткой умеют рассказать нам об этом. Закон тяготения, познанный автором в натюрморте, в натюрморте же был им и преодолен.
16.05.2026 в 17:24
#ГДЕЭТО? ОТВЕТ: Троицкий собор в Санкт-Петербурге.
Троицкий (Измайловский) собор в Санкт-Петербурге построен в 1828–1835 гг. по проекту русского архитектора, мастера позднего классицизма и ампира, В.П. Стасова. Храм был возведен по инициативе Николая I в память о времени, когда он командовал Измайловским полком. Строительство финансировал лично император. Собор заменил деревянный храм, который служил «домашней» церковью Измайловского полка с 1754 года. Являющийся и ныне одним из самых монументальных храмов города, на момент проектирования собор по размерам уступал только Исаакиевскому и был способен вместить до 3000 человек. Купола расписаны золотыми звёздами по голубому фону также по личному указанию Николая I.
15.05.2026 в 19:10
#СОЛНЦЕВЖИВОПИСИ
Александр Иванович Лактионов «В гостях у внуков», х. м., 1966 год
Этого художника заслуженно называют «солнечным соцреалистом», прежде всего из-за его самой известной работы «Письмо с фронта», но не только. Сегодня мы смотрим на другого Лактионова, на автора, в почерке которого явно ощущается его увлечение техникой письма старых мастеров, которую он целенаправленно исследовал и пробовал еще во время учебы.
Александр Иванович Лактионов (1910 — 1972) — советский живописец и график, педагог, ученик И. И. Бродского. В свое время Бродский принял молодого Лактионова к себе в мастерскую сверх набора, там, следуя завету наставника «Ближе к натуре!», начинающий художник осваивал приёмы и современной ему живописи, и живописцев прошлого.
Картина «В гостях у внуков» парадоксальным образом сочетает и соцреалистические интенции, и некий флёр живописи века XIX-го. Сначала персонажей планировалось трое, включая дедушку, приехавшего из села в город навестить внуков. Образы детей автор нашёл быстро, а вот с дедушкой не получалось. В итоге эскиз, как первое свежее и интуитивно верное решение, стал картиной: зритель как бы смотрит на внуков глазами деда.
14.05.2026 в 20:32
#ХУДОЖНИКИГАЛЕРЕИ #АУКЦИОН
Жабина Тамара Алексеевна (род. 1945 г.), живописец, график, член ЛССХ с 1977 года, член Ассоциации глухих художников. Особенно трогательными и светоносными у нее получаются работы в печатных техниках: монотипии и автолитографии. Среди лотов нашего следующего аукциона несколько замечательных, очень душевных графических листов, которые сразу возвращают нас к вольному воздуху детства. Почему-то при взгляде на них на ум приходят солнечные зайчики, так милы и подвижны эти детишки с белками и смешные козы.
Приглашаем посмотреть полный каталог аукциона на нашем сайте, друзья, там еще много интересного 😊
13.05.2026 в 18:57
#ГДЕЭТО?
Итак, еще одна загадка с сайта нашей галереи (на этот раз из каталога грядущего аукциона): какой собор изображен на цветной автолитографии Ганзенко Игоря Геннадьевича «Чердачное окно с видом на … ночью»?
Напоминаем, что активным участникам рубрики дарим билет галерею 😊
11.05.2026 в 20:27
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ
Одну из своих картин этот художник назвал «На тёплой земле», и это словосочетание стало формулой всего его творчества. Валентин Михайлович Сидоров (1928 — 2021) — советский и российский мастер пейзажа, педагог, общественный деятель, лауреат нескольких государственных премий. С 1951 года он участвовал в городских, всесоюзных и зарубежных выставках, в 1960-х был художественным руководителем знаменитой «Академической дачи» им. И. Е. Репина в Вышневолоцком районе Тверской области. Это один из тех авторов, в чьем творчестве максимально полно воплотилась национальная идея. Для работ художника характерна лаконичная, изобретательная композиция и следование живым натурным впечатлениям. Все его картины, несмотря на высокую степень философского обобщения, можно обозначить как моменты жизни, ведь человек всегда показан в единстве с природой и почти всегда чем-то занят и куда-то стремится.
В детских воспоминаниях художника есть эпизод о том, как в 8 лет он тяжело заболел, и мать принесла в больницу цветные карандаши и альбом. «Рисование заглушило тоску, и родилось чудесное ощущение, что ты можешь нарисовать любимые места, и они всегда будут с тобой», - писал В.М. Сидоров.
Это ощущение художник не только пронес через всю свою жизнь, но и сполна поделился им с нами, зрителями.
10.05.2026 в 20:30
#ХУДОЖНИКИГАЛЕРЕИ #АУКЦИОН
Сегодня предлагаем вашему вниманию светоносные литографии с видами лесов, лугов и сельской жизни. Их автор — Мезерина Татьяна Константиновна (род. 1945) — петербургский художник-график, преподаватель, член Союза художников, член общества литографов. Окончила ЛИЖСА им. И.Е. Репина (мастерская графики М.А. Таранова, 1972), работает в техниках ксилографии, литографии, масляной пастели.
Эти ее пейзажи, которые стали лотами нашего грядущего аукциона, можно назвать пейзажами хорошего настроения. На ум тут приходят и слова И.И. Левитана: «Природу украшать не надо, но надо почувствовать ее суть и освободить от случайностей. Не увлекайтесь мелочами и деталями, ищите общий тон. Запоминать надо не отдельные предметы, а стараться схватить общее, то, в чем сказалась жизнь, гармония цветов». Это универсальные правила, которым следуют все талантливые художники, и в литографиях Т.К. Мезериной очень хорошо видно это самое «почувствовать суть природы».
Эти и другие работы автора вы можете увидеть в каталоге по ссылке https://www.oph-art.ru/ru/exposition/auktsion--38-grafika/
09.05.2026 в 09:47
С Днём Победы, дорогие друзья!
В этот день мы с особой благодарностью вспоминаем тех, кто подарил Победу в Великой Отечественной войне — солдат, тружеников тыла, детей войны, всех, кто прошёл через тяжёлые испытания ради будущего. Их сила и стойкость — пример для нас всех!
В нашей галерее мы особенно остро чувствуем эту связь времён: через картины, графику видим и переживаем то, что было пережито когда‑то. Искусство сохраняет образы, помогает почувствовать боль, надежду и мужество тех лет, делает память более осязаемой.
Желаем вам светлых дней, крепкого здоровья и душевного тепла! Пусть рядом будут близкие, в доме царит уют, а в сердце — мир и благодарность. Пусть каждый новый день напоминает о ценности жизни и дарит поводы для радости!
Кичко Сергей Дмитриевич, «Красная площадь, 1945. Победа!», к. м., 1975
07.05.2026 в 21:12
#ХУДОЖНИКИГАЛЕРЕИ #АУКЦИОН
Сергеева Людмила Афанасьевна «Крошечка-Хаврошечка», 1980
Эта цветная автолитография замечательного мастера выглядит как прекрасный повод вновь обратиться к одной из самых необычных русских сказок. Сама композиция этой работы намекает на многослойность «Крошечки-Хаврошечки» — здесь показаны ключевые эпизоды, но они не пересказывают сюжет, а скорей погружают в общую атмосферу метаморфоз.
Людмила Афанасьевна Сергеева (1934 — 2000) — мастер эстампа, художник книги и иллюстратор, акварелист и живописец, заметная представительница левого крыла ЛОССХа. Выпускница графического факультета Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (1963, мастерская А. Ф. Пахомова), на протяжении всей творческой жизни она много и разнообразно работала в различных техниках печатной графики: офорте, литографии, резцовой гравюре. Как художник-иллюстратор сотрудничала с журналом «Нева», была членом объединения и постоянным экспонентом выставок художников-литографов «Экспериментальной мастерской-студии им. Н. А. Тырсы».
Больше работ автора вы можете увидеть в нашем аукционном каталоге по ссылке:
https://www.oph-art.ru/ru/exposition/auktsion--38-grafika/
06.05.2026 в 17:49
#ГЛАВНЫЕКАРТИНЫ
Ларионов Михаил (1881-1964) «Портрет Н.С. Гончаровой», картон, гуашь, коллаж, темпера 1915
Ларионов и Гончарова, союз которых сложился еще в годы обучения в московском Училище живописи, ваяния и зодчества, оставались единомышленниками на протяжении всей жизни. Постоянный совместный поиск новых путей в искусстве и творческое взаимообогащение М. Цветаева, встречавшаяся с художниками в Париже, коротко характеризует так: «Говорить о Гончаровой, не говоря о Ларионове, невозможно».
В этом образе непросто узнать Наташу Гончарову, принадлежавшую к известному дворянскому роду (ее дед М.С. Гончаров был племянником Н.Н. Гончаровой-Пушкиной, да и назвали девочку в честь супруги А.С. Пушкина). Но именно этот портрет, выглядящий как своеобразный манифест футуризма и каталог его приемов, отражает суть художницы. Да и каким-то чудом, несмотря на радикальную форму, здесь все-таки сохраняется портретное сходство.
Портрет не столько написан, сколько «собран» из разных материалов – ткани, краски, кожи, фрагментов театральных афиш, опилок. Собран из «цитат» материального мира, обещающих многие приращения смысла, когда они использованы для создания образа художницы. Когда-то и сама влюбленная Гончарова писала мужу: «Я – твое произведение».
05.05.2026 в 17:44
#ХУДОЖНИКИГАЛЕРЕИ #АУКЦИОН
Каталог нашего нового аукциона пополняется, и сегодня расскажем о Татьяне Васильевне Соловьёвой‑Домашенко, чьи работы стали его настоящим украшением.
Советская и российская художница, график, иллюстратор, публицист, галерист, философ и писательница известна художественному сообществу и зрителям также как Татьяна Со-До (род. 1945). Выпускница живописно-педагогического отделения Художественного училища им. В. Серова (1964) и графического факультета ЛИЖСА им. Репина (1970 году), с 1968 года она постоянно участвует в выставках. Выполнила иллюстрации более чем к сорока детским книгам в издательствах «Малыш», «Детская литература», «Юнацтва», работала в техниках эстампа и уникальной графики в Комбинате графических искусств. Произведения Соловьёвой-Домашенко находятся в Музее истории Санкт-Петербурга, музее Академии художеств Санкт-Петербурга, Музее Анны Ахматовой, в других музеях и частных собраниях России и зарубежья.
В работах художницы ощущается большая внутренняя свобода, не только в подборе выразительных средств, но, как видно из нашей сегодняшней подборки ее графики, и в выборе сюжетов. То самое искусство, которое окрыляет!
Посмотреть каталог аукциона №38 вы можете уже сейчас на нашем сайте в разделе «аукционы» https://www.oph-art.ru/ru/exposition/
Топ-события Петербурга на этой неделе: Алые паруса, фестиваль “ЭтоЭтно” и концерт Ах Астаховой
Места исполнения желаний в Петербурге: куда идут за удачей, любовью и деньгами
Не только Эрмитаж: какие музеи Петербурга можно посетить бесплатно
«Алые паруса — 2026» в Петербурге: дата, программа и лучшие места для просмотра
Что посмотреть в музеях Петербурга этим летом: самые заметные выставки сезона
Дэвид Хокни: жизнь и творчество художника, изменившего поп-арт
Прогноз погоды
14°..19°
Лучшее за неделю
